'Schau hinein' an  Berend Strik, Künstler

​

'Ich entdecke meine eigene Kunst durch Atelierbesuche'

Text und Fotos von Koos de Wilt für Collect

Hinter einem E-Drum-Set hängen einige Entwürfe von Buntglasfenstern, die er zusammen mit seinem Künstlerkollegen Hans van Houwelingen für die Amsterdamer Popbühne Paradiso entworfen hat. Auf dem Tisch einige Zeichnungen, wie er sie täglich macht und eine Vorstellung dessen sind, was ihm durch den Kopf geht. Berend Strik (1960) ist einem breiteren Publikum durch seine Fotos bekannt, die er mit Stitching bearbeitet. In seinem geräumigen Atelier im Czaar Peterbuurt in Amsterdam befinden sich mehrere davon in unterschiedlichen Stadien der Fertigstellung. Bearbeitete auch Fotos, die er in den Ateliers berühmter zeitgenössischer Künstlerkollegen machte. Der Künstler zeigt eine Attrappe von Deciphering the Artist's Mind, einem in Kürze erscheinenden Buch voller Fotos und Beschreibungen von Studiobesuchen im Laufe der Jahre. „Diese Besuche helfen mir, meine eigene Kunstfertigkeit zu vertiefen und mich auf dem Laufenden zu halten. Erschaffe in diesen Studios meine eigene Realität.'  

„Ein Meisterwerk schafft mehr Raum als es selbst und in diesem mehr Raum ist Platz für andere Künstler wie mich.“

​

Striks Galerie in New York ist die von Jack Tilton, der vor einigen Jahren starb. Dieser Galerist hatte seine Karriere bei Betty Parsons begonnen, die abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock und Mark Rothko vorstellte. Als Parsons 1982 starb, übernahm Tilton den Raum. Strik zeigt auf ein großes Werk hinter ihm, das auf Pollocks Atelier basiert. „Durch Tilton kam ich in Kontakt mit der Pollock-Krasner Foundation“, sagt Strik. Pollocks Frau Lee Krasner hatte sein Atelier übernommen, als ihr Mann 1956 bei einem Autounfall ums Leben kam. Sie hatte ein paar weiße Laken auf den Boden gelegt, wo Pollock seine berühmten Drippings gemacht hatte. Als Krasner 1984 selbst starb, fanden die Leute unter den weißen Laken von Pollocks einen mit Farbe bedeckten Boden und es wurde gemessen, dass der Rand eines berühmten Gemäldes zwischen den Farbspritzern zu sehen war. Das Gemälde wurde 1949 von den Rockefellers für 400 Dollar gekauft und 2018 bei Sotheby's in New York für 34 Millionen Dollar versteigert. Ich habe diese Arbeit auf den Rändern dieses Gemäldes aufgebaut. Ein Meisterwerk schafft mehr Raum als es selbst und in diesem mehr Raum ist Platz für andere Künstler, wie mich. Pollock hatte einen Riesenschritt gemacht, indem er die Bürsten weggeworfen hatte. Die Entstehung seiner Arbeit wurde viel fotografiert und war der Beginn der Performance-Kunst. Kunst, auf die ich gestickt habe.'

Duchamps Atelier 

Striks Interesse an den Ateliers anderer Künstler begann, als er drei Jahre in New York lebte und neugierig wurde, wie Marcel Duchamp (1887-1968) ausgesehen haben muss. „Ich fand heraus, dass sich sein Studio in einem großen weißen Gebäude an der Ecke 14th Street und Broadway befand. Bis auf die Tür und die goldfarbenen Nummern 402/403 an der Tür hatte sich in diesem Gebäude alles verändert. Es war ein Büro geworden, in dem zwei Männer Frauen in ihrer Karriereentwicklung coachen. Diese Kutschen wussten halbwegs, dass dort einst ein Maler gelebt hatte. Dort hatte Duchamp am Ende seines Lebens heimlich Étant donnés geschaffen, die berühmte Installation einer nackten Frau mit verborgenem Gesicht, gespreizten Beinen und einer Gaslampe in der Hand vor einem Landschaftshintergrund. Eine Arbeit, die man durch ein Loch in der Tür betrachten konnte. Duchamp hatte in diesem Studio in Greenwich Village heimlich daran gearbeitet. Diese Tür war noch da, nur Duchamp hatte die Installation über seinem Grab an das Philadelphia Museum of Art verkauft.'

„Die Atelierbesuche helfen mir, meine eigene Kunstfertigkeit zu vertiefen und auf dem Laufenden zu bleiben. Jeder Künstler muss darin seine eigene Balance finden.“  

​

Berend Strik ist fasziniert von der Arbeit des ersten echten Konzeptkünstlers Duchamp. Sein Favorit ist „La Boîte-en-Valise“ (1935-1941), eine Kiste in einem Koffer, in der Duchamps Fundstücke im Miniaturformat aufbewahrt wurden. Die erste Aktentasche hatte er zusammen mit dem Architekten Frederick Kiesler zu einer Zeit gefertigt, als die Nazis bereits damit beschäftigt waren, Europa zu besetzen. Der Künstler stellte sich vor, dass seine Kunst als Entartete Kunst klassifiziert werden würde und entwickelte dann eine Möglichkeit, seine Kunst in kompakter Form mitzunehmen. Mit diesem Koffer floh er nach Marseille und schließlich nach New York. Etuis wurden in drei Farben, Auflage hergestellt. 1949 hatte Katherine Dreier, eine prominente amerikanische Sammlerin, Sandberg einen dieser Koffer gespendet, und in einem euphorischen Brief schrieb Duchamp, er sei sehr glücklich, dass Stedelijk ihn in seine Sammlung aufgenommen habe. Sandberg hatte zu diesem Zeitpunkt keine Ahnung, was es war, und hatte nur eine höfliche Nachricht zurückgeschickt. Im Koffer waren auch Fotos, die Duchamp bearbeitet hatte und die meine Aufmerksamkeit erregten. Es waren Schwarz-Weiß-Fotos, die er kolorieren ließ, eine damals wichtige Technik.“

Auge des Wahrnehmenden

Nach Duchamp ist ein Kunstwerk in den Augen des Betrachters fertig, sagt Strik. Roue de Bicyclette, oder Fahrradrad auf einem Hocker, ist ein Werk, das Duchamp 1913 geschaffen hat, um es so anzusehen, wie man fasziniert in ein Feuer blicken kann. 1951, als er jetzt in New York lebte, wurde daraus ein Readymade, ein Kunstwerk, das seinem Anschein nach zum Kunstwerk wurde. Strik: „Ich fand dieses Readymade schon immer eine seltsame Arbeit, bei der ich nur ein Fahrradrad auf einem Hocker sehen konnte. In Duchamps ehemaligem Atelier wurde mir plötzlich klar, dass das Rad für seine Frankreich-Nostalgie stand. Ein Fahrrad war damals in seiner Heimat sehr wichtig, es war der Nachfolger des Pferdes. Bei einem Fahrradrad auf einem Hocker geht es darum, es zu reparieren, und das ist wichtige Arbeit. Das Rad hatte in seinem Atelier noch eine weitere Funktion. Als es sich drehte, konnte er über Kunst und seine Kunstfertigkeit nachdenken.'

Strik fand heraus, dass er durch den Besuch von Künstlerräumen dem Künstler und damit auch sich selbst nahe kommen konnte. „Rudi Fuchs schickte mich in das Atelier des österreichischen Künstlers Arnulf Rainer, der gleichzeitig an Hunderten von Gemälden arbeitete. Ann Goldstein verwies mich auf das Studio von John Baldessari, einem Künstler, der sich für Fotografie interessierte. Ich war in Ger van Elks Küche, habe den Malerkittel von Helen Frankenthaler angezogen und stand vor der geschlossenen Stahltür von David Hammons. Ich war auch im Atelier von Henry Taylor, einem schwarzen Künstler, dessen Preise in nur wenigen Jahren explodiert sind. Während er in seinen Bildern einfach alles verwendet, was er um sich herum sieht. Ich habe auch stundenlang mit der rechten Hand von Richard Prince gesprochen, aber Prince fand das sehr bedrohlich und ließ mich nicht.'

Keksdose

„So sehr die Welt auch in Bewegung ist und sich alles verändert, jedes Kunstwerk entsteht als Antwort auf die Arbeit anderer Künstler“, erklärt der Künstler, während er versucht, ein riesiges Kunstwerk zu spinnen. „Rembrandt schuf De Staalmeesters als Antwort auf und als Verbesserung von Leonardo da Vincis „Das letzte Abendmahl“. Ich möchte auch wissen, wie meine Kunst mit der Arbeit anderer Künstler zusammenhängt.“ Strik zeigt auf die große Leinwand, die vorne und hinten mit Steppnähten bearbeitet wurde. „Diese Arbeit zeigt ein vergrößertes Bild der alten Keksdose meiner Mutter. Sie können zwei Fasane durch das Knistern sehen. Ich finde es interessant, über die Bedeutung eines Bildes auf etwas so Trivialem wie einer Keksdose nachzudenken. Handelt es sich um ein schwules Paar, bekämpfen sich die Vögel oder geht es um das Scheitern einer Ehe? Auf der Rückseite des Werkes sehen Sie weitere unbeschwerte Bilder, sinnliche Bilder des Rokoko-Künstlers François Boucher. Mich fasziniert, dass es so viele Schichten gibt, die man nicht sieht. Denn das ist die Realität, dass man fünfzig Jahre mit jemandem zusammenleben kann und keine Ahnung hat, was all die Schichten des anderen sind.'