Mitten drin
Platz halten
Der rezeptive Modus
Inneres Wesen
Seelenverwandte - Raum halten
Blick ins Innere der Künstlerin Suzanne Jongmans (1978) in ihrem Atelier in Breda
Festhalten an dem, was nicht gehalten werden kann
Text und Fotos von Koos de Wilt für COLLECT
Die Künstlerin begrüßt ihren Gast vor ihrem Atelier, einer ehemaligen Friseurschule an der einkaufsreichen Nieuwe Ginnekestraat in Breda. Gemeinsam holen wir Macarons aus der flämischen Konditorei und auf dem Weg zurück in ihr Atelier erzählt uns Suzanne Jongmans, wie sie die Corona-Zeit überstanden hat. „Eigentlich hat es mir gefallen, ich hatte die Zeit, in Ruhe nachzudenken und zu arbeiten. Du hast nichts verpasst. Es stellte sich auch heraus, dass die Leute einfach weiter Kunst kauften. Zuletzt auch im KunstRAI, wo unter anderem meine neue Arbeit In Resonance mehrfach gekauft wurde. Eine Arbeit, für die ich Jonah, den Sohn meines Cousins, porträtierte, einen Jungen, den ich als Babysitter pflegte. Das erste Mal habe ich ihn mit neun fotografiert, jetzt ist er neunzehn. Ich arbeite oft mit Bekannten zusammen, aber dieses Mädchen kannte ich nicht“, sagt die Künstlerin, wenn sie auf die Arbeit The Receptive Mode verweist. „Ich habe Maaike zufällig in einem Supermarkt getroffen. Sie sprach mit ihrem Bruder und ich bemerkte, wie sie sich bewegte. Ich sah sie kurz an und sprach sie dann an. Sie war überrascht und lachte, als ich ihr sagte, dass ich sie in ihrer ganzen Erscheinung so schön fand. Sie erinnerte mich an Arbeiten des flämischen Primitiven Rogier van der Weyden.“
Oft sind es Bilder, die auf die eine oder andere Weise auf Arbeiten alter Meister und auf Baumaterialien verweisen.
Die Arbeit von Suzanne Jongmans kann zu Recht als interdisziplinär bezeichnet werden; Sie ist gleichzeitig Schneiderin, Bildhauerin, Kostümbildnerin, Fotografin und sehr geschickt in Photoshop. Im malerischen Nordlicht des großzügigen Ateliers hängen Kleider aus Styropor-Kunststoff und Schaufensterpuppen mit raffinierter Kleidung. In der Ecke ein Computer, hinter dem sie ihre Bilder bearbeitet. Jongmans ist oft fasziniert von Dingen auf der Straße, die andere übersehen. Sie zeigt von ihrem Atelier aus auf ein Dach mit einem drehbaren Luftfilter, der im Sonnenlicht flackert, und sagt, dass sie manchmal minutenlang darauf starrt und träumt. „Manchmal beginnt eine Arbeit mit einer Person, die ich treffe, und manchmal mit Bau- oder Verpackungsmaterial, das mir gerade begegnet und in dem ich eine gewisse Symbolik unserer Zeit sehe. Manchmal weiß ich gar nicht, um welches Material es sich eigentlich handelt. Bei In Resonance , dem Porträt von Jona, denke ich an die Verbindung der Punkte, an einen Hinweis darauf, dass alles mit allem zu tun hat und an die Erfahrung, dass all dies plötzlich klar wird.“
Halten
Jongmans arbeitet immer an mehreren Werken gleichzeitig. Alles in allem rechnet sie mit etwa drei Monaten pro Foto, vor allem in der Nachbearbeitung. Da sie etwa zweihundert Fotos von ihren Modellen macht, vergessen diese nach einer Weile, dass sie fotografiert werden, und nehmen die Haltung des Innenblicks ein, die genau das reflektierende Bild erzeugt, das Jongmans verwendet. „So wie ich es im Kopf habe, entsteht es erst, wenn ich all diese Hunderte von Bildern zusammenfüge. Wie im Alltag steckt die Schönheit im Detail. Und ich möchte all diese Details einbeziehen. Ich verwende die Bilder wie Maler ihre Farbe. Das ergibt etwas Malerisches im Schichtmosaik. Auf die eine oder andere Weise entsteht durch den Prozess auch meine Handschrift.“
Ich benutze ein Zeichen auf Baumaterial, um anzuzeigen, dass es zirkulär ist, etwas über die Ewigkeit zu sagen.'
Der Künstler zeigt eine Arbeit mit Jonah, als er zwölf Jahre alt war und ein Blatt mit dem Titel Kindheit hielt. „Ich habe dieses Blatt zwischen den Seiten eines Buches gefunden, das ich bekam, nachdem meine Großmutter gestorben war, und als ich klein war, ging ich zu ihr zum Mittagessen. So ein getrocknetes Blatt zeigt, wie zerbrechlich die Zeit ist und wie man sie halten möchte.“ Jongmans sucht immer nach der Logik hinter den Dingen. „Ich gehe vom Bestehenden aus und versuche dann, die Welt dahinter zu entdecken. Das habe ich schon an der Akademie in Tilburg gemacht, damals mit weißen Laken mit Texten darauf, die einem gerade einfallen, wenn man gerade aufgewacht ist. Jetzt mache ich auch Installationen, fotografiere sie und bearbeite sie anschließend. Daran hat sich eigentlich nicht viel geändert.“
Im Gleichgewicht
Sicherlich fühlt sich der Künstler nicht nur den alten Meistern, sondern auch zeitgenössischen Bildhauern wie Maria Roosen, Anish Kapoor, Giuseppe Penone und Berlinde de Bruyckere verbunden. Auch die gleichzeitig mystischen und alltäglichen Bilder des Videokünstlers Bill Viola sprechen sie an. Was in ihrem Werk jedoch besonders auffällt, sind die Bezüge zu den Werken der Flamen Rogier van der Weyden und Jan van Eyck aus dem 15. Jahrhundert, der Italiener Agnolo Bronzino und Piero della Francesca, des Deutschen Hans Holbein d. J., des spanischen Malers Diego Velázquez bis hin zu und darunter die Holländer Rembrandt und Vermeer. „Die Arbeit dieser Künstler dient als eine Art Rahmen für das, was ich mache“, sagt Jongmans, als sie vor der Arbeit Holding Space kniet. „Das war die Vorschullehrerin meines Sohnes. Eine wunderbare Frau, die ihren Kindern Freiheit, Vertrauen und Schutz gab und gleichzeitig klare Rahmenbedingungen setzte. Tat und Herz waren bei ihr vollkommen im Gleichgewicht. Die alte grüne Decke, die sie in dieser Statue um sich herum hat, ist die gleiche Decke, die meine Großmutter früher hatte. Diese Farbe ist so beruhigend und erinnerte mich an das berühmte Jan van Eyck-Porträt von Giovanni Arnolfini und seiner Frau. In meiner Adaption habe ich Styroporkugeln verwendet, die frei nach unten wirbelten und die Freiheit symbolisierten, die sie ihren Kleinkindern gab.'
„Ich sehe uns Menschen als unendliche Wesen in einem temporären Körper, mit dem wir Erfahrungen machen, um schließlich etwas zum Ganzen hinzuzufügen.“
Jongmans verweist auf eine neuere Arbeit Inner Being , ein Bild ihres Sohnes Dante auf dem Rücken mit Flügeln im Material der Verpackung eines neuen Druckers. Der Ausschnitt im Styropor erinnerte sie an Engelsflügel und die Kreise auf dem Sternenschaum. „Ich sehe Dinge darin und jeder kann seine eigene Geschichte daraus machen. Ich bin nur der Anmelder. Oft hat ein Werk einen persönlichen Ursprung und hat dann zufällig einen Bezug zu der Person, die das Werk erwirbt. Ganz besonders ist zum Beispiel, dass das Werk Mitten drin, ein in der Corona-Zeit entstandenes Selbstporträt, einige Male von Menschen gekauft wurde, die sich in welcher Form auch immer hätten verabschieden sollen. Ich habe diese Arbeit in der Zeit gemacht, als ich mich selbst von einem geliebten Menschen verabschieden musste und versuchte, sie zu gestalten. Es zeigt, dass es irgendwie wieder gut wird. Menschen dürfen nicht sterben, wir finden, man sollte nicht scheitern, aber es passiert einfach und wir müssen damit umgehen. Mit dieser Arbeit zeige ich, dass Traurigkeit existieren kann, aber dass sie transformiert wird.'
Die Darmstädter Madonna
Jongmans Werk bezieht sich oft auf Kunstwerke voller religiöser Symbolik. Kennt sie diese Symbolik, bevor sie eine neue Arbeit beginnt? „Oft erfinde ich diese alte Symbolik später. Das hatte ich zum Beispiel bei einem Auszug aus De Darmstadt Madonna von Hans Holbein dem Jüngeren. In der Arbeit sieht man Hagebutten und Nelken, und es stellte sich heraus, dass ich sie so verwendet habe, wie Holbein sie fast fünfhundert Jahre später beabsichtigt hatte, nämlich als Symbol der Treue. Aber ich verwende auch zeitgenössische Symbolik. Ich benutze ein Zeichen auf Baumaterial, um anzuzeigen, dass es zirkulär ist, etwas über die Ewigkeit zu sagen.'
Die Arbeit von Suzanne Jongmans kann zu Recht als interdisziplinär bezeichnet werden; Sie ist gleichzeitig Schneiderin, Bildhauerin, Kostümbildnerin, Fotografin und sehr geschickt in Photoshop.
Die Künstlerin ist nicht religiös, dennoch sind ihre Arbeiten voller spiritueller Assoziationen. „Früher hatten die Menschen einfach einen Glauben, jetzt suchen wir hauptsächlich danach. Ich sehe uns Menschen als unendliche Wesen in einem temporären Körper, mit dem wir Erfahrungen machen, um schließlich etwas zum Ganzen hinzuzufügen. Es geht um das Hier und Jetzt und es ist sinnlos, an die Zukunft zu denken. Rituale helfen dabei. Ave Mary, das ich mit meiner Oma und meinem Opa gemacht habe, ist die gleiche Art von Ritual, das wir immer noch brauchen, aber in einer anderen Form. Das versuche ich auch mit meiner Kunst.“