Simon Morsink aus „Jan Morsink-Ikonen“

'Das Einzigartige, Original innerhalb der Limitierung'

Was ist die Magie von Ikonen? Wie unterscheidet sich Kunst von anderen Kunstformen und wie kann man den Ikonensammler charakterisieren? Ein Gespräch mit dem auf kretische und russische Ikonen spezialisierten Kunsthändler Simon Morsink. „Mit anderer Kunst kann man sich einen großen Namen kaufen. Eine Ikone ist anonym, man kann nicht sagen, ob zweitausend oder zweihunderttausend Euro dafür bezahlt wurden. Damit kannst du also überhaupt nicht beeindrucken.' Interview: Koos de Wilt (2010)

Ikonenkunst ist im Wesentlichen eine mittelalterliche Kunst. Das Mittelalter dauerte in Russland viel länger und diese Kunstform konnte sich viel länger entwickeln. Im Westen brachte die Renaissance eine ganz andere Entwicklung, eine starke Individualisierung, während die Russen in einer mehr oder weniger mittelalterlichen Welt blieben. Bis ins 19. Jahrhundert hinein konnte sich in Russland Ikonenkunst entwickeln, in der man manchmal einige historisierende Stilrichtungen und manchmal sogar eine Art Jugendstil entdecken konnte. Grob kann man sagen, dass es bis zum 19. Jahrhundert einfach nichts anderes als Ikonenkunst gab. Keine profane Kunst, also keine Porträtmalerei, keine Landschaftsmalerei, keine Historienmalerei. Kurz gesagt, die gesamte Kreativität und das gesamte Talent waren auf die Ikonenkunst gerichtet. Und das dauerte bis zur Russischen Revolution von 1914. Russland wurde nach dem Zusammenbruch des Byzantinischen Reiches 1453 zu einem wichtigen Zentrum des orthodoxen Glaubens. Maler flohen in andere Gebiete und im späten 14. und frühen 15. Jahrhundert feierte der große Andrej Rublow große Triumphe . Ein Jahrhundert später haben Sie den großen Dionysios. Neben diesen russischen Highlights ist auch die kretische Malerei des 15. bis 17. Jahrhunderts von absoluter Spitzenqualität.

Die Blütezeit der russischen Ikonen ist das 15. und 16. Jahrhundert. Zu dieser Zeit gibt es die großen Schulen von Nowgorod und Moskau und dann, im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert, den Stroganov-Stil und die Wolga-Städte. In der Mitte des 17. Jahrhunderts gibt es die Kremlschule und den Aufstieg der eher naturalistischen Malerei. Der aktuelle Ikonenmarkt lässt sich etwa so aufteilen wie der Markt Nordwesteuropas, der sich an russischen Ikonen orientiert, und Südeuropa und Amerika, die sich hauptsächlich für griechische und insbesondere kretische Ikonen interessieren. Zum Unterschied zwischen griechischen und russischen Ikonen kann man grob sagen, dass griechische Ikonen oft ein ausdrucksstärkeres Erscheinungsbild haben als russische Ikonen, die viel nach innen gerichtet sind. Es ist in beiden Fällen mit Tempera gemalt, aber die Farbe und die Malweise sind unterschiedlich.

„Bei Ikonen ist es genau umgekehrt: Der Schnittpunkt liegt beim Betrachter und nicht in einem Punkt in der Ferne. So wird man in die göttliche Welt hineingezogen.'

Die introvertierte Natur der russischen Kunst zeigt sich in der nüchternen Farbgebung, den einfachen Linien und der schematischen Ausarbeitung von Kleidung und Gesichtern. Russische Ikonen lassen dem Betrachter auch mehr Raum, den Rest selbst auszufüllen. Diese Einfachheit und dieser Vorschlag wirken auch stärker auf meine Vorstellungskraft. Während ich das sage, wird mir klar, dass es sehr schwierig ist, diese Allgemeingültigkeiten auszusprechen, es gibt eine so große Vielfalt in der Ikonenkunst. Der Unterschied zum Beispiel zur italienischen Malerei des 14. Jahrhunderts, zum Beispiel von Giotto, ist unter anderem die Fülle der Bilder, die Angst vor dem Leeren. Auch die Perspektive ist eine andere. Bei Icons ist es genau umgekehrt: Der Schnittpunkt liegt beim Betrachter und nicht in einem Punkt in der Ferne. So werden Sie in die göttliche Welt hineingezogen. Der Hintergrund ist oft Gold und Silber, was nach mittelalterlicher Tradition dem göttlichen Licht am nächsten kommt. Auch die Flächigkeit der Figuren verleiht ihr ihre verfremdende Wirkung. Ikonenmaler schaffen Tiefe nicht durch Schatten, wie in der westlichen naturalistischen Kunst, sondern durch Licht, mit Weiß. Und dieses weiße Licht ist eine Reflexion des göttlichen Lichts. Wo die Italiener zunehmend das Menschliche, das Naturalistische betonten, tauchten die Ikonenmaler ins Göttliche ein.

„Schließlich soll der Heilige so dargestellt werden, wie er in Wirklichkeit ausgesehen haben muss. Und vielleicht, wie er jetzt aussehen würde.“

Ikonen sind ungefähr zweitausend Jahre alt und wenn man sie oberflächlich betrachtet, sehen sie alle gleich aus. Ich selbst suche immer das Original in der Arbeit und das scheint dem zu widersprechen, wofür Ikonen stehen. Schließlich soll der Heilige so dargestellt werden, wie er in Wirklichkeit ausgesehen haben muss. Und vielleicht, wie er jetzt aussehen würde. Um das zu erreichen, muss man immer wieder auf die alten Vorbilder zurückgreifen und der Maler konnte nicht einfach seinen eigenen Weg gehen. Während des Gebets ist der Heilige durch seine Ikone anwesend. Das ist eine Art neuplatonischer Idee, wo der Heilige im Himmel, der nicht gesehen werden kann, einen Schatten auf Erden in Form einer Ikone hat. Sie durften die Ikone nicht anbeten, das ist zu viel, aber Sie durften den Heiligen anbeten, der in der Ikone anwesend ist.

Es ist kein naturalistisches Gemälde, schließlich handelt es sich um zweidimensional dargestellte Heilige mit goldenem Hintergrund und stark stilisierten Gewändern und Gesichtern, die die Heiligkeit betonen. Das Schöne an Icons ist, dass es eine enorme Fülle an Möglichkeiten gibt, innerhalb der Limitierung zu arbeiten. Ich persönlich finde, dass Kunst am interessantesten ist, wenn es Grenzen gibt. Wenn alles möglich ist, wird Kunst immer uninteressanter. Einschränkungen zwingen den Künstler, seine Kreativität in Grenzen zu gestalten. Und das bringt für mich die spannendsten Kunstformen hervor. In dem Moment, in dem die Renaissance beginnt, in dem Moment, in dem die Kunsthistoriker anfangen, Kunst interessant zu finden, beginne ich, sie weniger interessant zu finden, weil es immer weniger Einschränkungen gibt. Die Totenglocke ist für mich, wenn es in der Kunst nur um sich selbst geht, de l'art pour l'art. Dann wird Kunst für mich bedeutungs- und sinnlos und verliert ihre Ausdruckskraft. Auch Ikonen sollen nicht nur schön sein. Sie werden als Mittel gemalt, sie wollen etwas sagen. All die Hände, die daran gearbeitet haben, haben es anders gemacht. Das sieht man, wenn man viel hinschaut und vergleicht. Dann fangen Sie an, Hände zu erkennen, ohne dass die Künstler unterschreiben oder es für sich selbst tun. Sie erkennen auch andere Dinge. Jeder Mensch ist ein Mensch seiner Zeit und seiner Umwelt. So sieht man auf den Ikonen trotz der Tatsache, dass man sich immer an die alten Vorbilder gehalten hat, immer wieder Elemente aus dem täglichen Leben und der alltäglichen Umgebung. Die Maler waren sich dessen nicht bewusst, aber man sieht es an der Kleidung, aber auch an Dingen wie den Fensterrahmen der Architektur, den Portalen und den Türmchen. Da es immer das gleiche Bild ist, das immer von verschiedenen Händen gemacht wird, sieht man auch deutlich die Unterschiede und das bestimmt maßgeblich die Qualität. Nikolaus ist der bedeutendste Heilige der orthodoxen Kirche und wurde unzählige Male dargestellt. Sie daneben zu stellen macht sehr viel Spaß, dann kann man sich wundern, warum einen kalt lässt und der andere sehr spannend wird. Das muss eine Reihe moderner Künstler beschäftigt haben. Sie betrachteten es genauso wie afrikanische Kunst. Matisse, Chagall und Picasso hatten alle Ikonen. Dass er mit der Ikonenkunst aufgewachsen ist, erkennt man auch deutlich in Malevits Werk. Wenn Sie beispielsweise den Hintergrund eines Nikolausbildes isolieren würden, hätten Sie ein ähnliches Motiv wie in Malevits Kunst.

„Weil es immer das gleiche Bild ist, das immer von verschiedenen Händen gemacht wurde, sieht man auch deutlich die Unterschiede und das bestimmt maßgeblich die Qualität.“

Die wahren Sammler verschwinden ein wenig in der Kunst, also die Leute, die nur Ikonen oder nur Keramik oder Gemälde aus dem 17. Jahrhundert kaufen. Der moderne Kunstkäufer ist viel eklektischer geworden. Er kauft ein Tang-Pferd, einen holländischen Altmeister aus dem 17. Jahrhundert und eine russische Ikone. Aber weil Ikonen eine sehr spezifische Kunstform sind, wird der spezifische Sammler immer darin bleiben. Dies liegt zum Teil daran, dass Ikonen eine anonyme Kunstform sind. Die Werke wurden nie signiert, man hat also nie gutes Vergleichsmaterial, was die Ikonenpreise angeht. Nur die griechisch-kretischen Ikonen aus dem 16. und 17. Jahrhundert sind gelegentlich signiert und dann sind sie viel Geld wert. Auch große Maler wie Dionysios, Theophaan der Grieche und Andrej Rublow haben nie unterschrieben. Tatsächlich kauft man nie für den Namen. Deshalb muss man sehr genau hinsehen. Es geht nur um das Objekt und seine Qualität. Sie kaufen immer nur eine Ikone, egal ob sie 2000 Euro kostet oder eine einzigartige russische Ikone aus dem 15. und 16. Jahrhundert, die 200.000 Euro erzielen muss. Das Icon-Publikum ist also kein Publikum, bei dem es von sechs Seiten strahlt, es ist generell nicht auffällig im Auftritt. Es ist nicht das neue Geld mit den großen Autos und dem Haus, wo große Dinge an der Wand hängen müssen. Ikonen werden von Leuten gekauft, die es nur für sich selbst kaufen, nicht für den Nachbarn oder weil jeder Ikonen kauft. In anderer Kunst kann man einen großen Namen kaufen. Eine Ikone ist anonym, man kann nicht sagen, ob zweitausend oder zweihunderttausend Euro dafür bezahlt wurden. Damit kann man also überhaupt nicht beeindrucken. Und das macht es mir sehr viel Spaß, damit zu handeln.

Das Interesse an Ikonen nimmt zu, nicht wie beim Hype Ende der Siebziger, Anfang der Achtziger, aber auf eine gesunde Art und Weise. Ende der 1970er-Jahre war der Hype wahrscheinlich etwas erfunden und manipuliert, genau wie beim Internet-Hype. Es war neu, es gab Nachschub und es kam aus dem Nichts. Tatsächlich war kaum Wissen vorhanden. Es brach zusammen, als es zu zwei großen Skandalen kam, bei denen die Sammlungen angeblich viele Fälschungen enthielten. Die Zeitungen waren voll davon, wie bei jedem Hype. Am Ende stellten sie sich oft nicht als Fälschungen heraus, aber die Preise waren zu diesem Zeitpunkt bereits eingebrochen. Ende der achtziger Jahre, nach dem Mauerfall, ist das Interesse langsam aber sicher wieder gewachsen. Nach dem Hype ist die Ikone in den Köpfen der Menschen geblieben, das war Anfang der 1970er Jahre überhaupt nicht der Fall. Es gibt auch viel mehr Bewusstsein und Wissen über die Unterschiede. Früher war jede Ikone Geld wert, nur weil sie eine Ikone war. Nun wird stark unterschieden zwischen Ikonen im Wert von wenigen hundert Euro und Ikonen aus dem 15. und 16. Jahrhundert aus Moskau oder Kreta.

„Dass er mit der Ikonenkunst aufgewachsen ist, sieht man Malevits Werk deutlich an.“

Wir handeln mit russischen und kretischen Ikonen, die bei uns bei vier-, fünftausend Euro beginnen. Die teuersten Stücke kosten rund 85.000 Euro. Byzantinische Ikonen kommen sehr selten auf den Markt. Es gibt also keinen Handel damit. Wenn eines auf den Markt kommt, ist es sozusagen ein Unikat, dafür gibt es keinen Preis. Es ist auch äußerst schwierig, gute russische und kretische Ikonen aus dem 15. und 16. Jahrhundert zu bekommen. Diese sind in den letzten Jahren immer seltener geworden und die Nachfrage danach steigt. Das wollen die Leute und das wirkt sich auf den Preis aus. Was zählt, ist höchste Qualität, der beste Kauf seiner Art. Und davon gibt es wenig. Ich habe einmal in einer Zeitung gelesen, dass ein großer Prozentsatz der Ikonen jetzt im Westen ist. Das ist totaler Unsinn. Ich denke, 95 Prozent dieser Kunstform sind noch im Ursprungsland. Das hat damit zu tun, dass der Handel mit dieser Kunstform erst im 19. Jahrhundert begann. Damit unterscheidet es sich von den meisten anderen Kunstformen, die seit einiger Zeit gehandelt werden. Deshalb ist praktisch nichts von den Ikonen verloren gegangen. Ende des 19. Jahrhunderts war das Sammeln von Privatsammlern nur in Russland sehr aktiv. Sie gerieten auf einen Schlag mit der Russischen Revolution in Konflikt. Das meiste landete in Russland in den Museen oder blieb in den Kirchen zurück. In den 1930er Jahren wurden einige von der russischen staatlichen Kunsthandlung verkauft, die auch eine Reihe von Fabergé-Eiern verkaufte, aber das ist nur ein Bruchteil dessen, was in Russland zu sehen ist. Alle berühmten russischen Ikonen sind immer noch in Russland, keine einzige ist im Ausland.

„Wenn ich Ikonen kaufe, achte ich zuerst auf die Wirkung. Wie beim Betrachten eines modernen Gemäldes. Betrifft es mich oder betrifft es mich nicht? Es muss nicht so schön sein, aber es muss faszinieren.“

Die Nachtwache unter den Ikonen ist Andrej Rublows Trinity. Das Thema dieses Gemäldes ist zentral für den russischen Glauben, den Glauben an die Dreieinigkeit, an Gott, den Vater und den Heiligen Geist. Die Art und Weise, wie es gemalt ist, ist wirklich brillant. Diese Ikone ist untrennbar mit der Geschichte Russlands verbunden und wurde für das Dreifaltigkeitskloster, Russlands wichtigstes Kloster, gemalt. Die Ikone war einer der am meisten verehrten Wundertäter, der in vielen Chroniken beschrieben wurde. Vielleicht ist das, was wir im Westen mit Reliquien hatten, ein bisschen ähnlich dem, was die Russen mit Ikonen hatten. In beiden Fällen galt der Heilige tatsächlich als im Objekt anwesend. Das Sakrale in der Kunst ist natürlich auch für den Käufer von heute wichtig. Sie kaufen es nie aus religiösen Gründen, aber was ich oft bemerke, ist, dass es Menschen betrifft. Menschen empfinden auf die eine oder andere Weise eine besondere Emotion, selbst wenn sie alle möglichen anderen Kunstwerke kaufen. Es packt sie und das hat zweifellos mit der religiösen Erscheinung zu tun. Das merke ich auf der Tefaf, wenn einige mehr oder weniger zufällig unseren Stand besuchen. Sie können dann sofort getroffen werden.

Wenn ich Icons kaufe, achte ich als erstes auf die Wirkung. Wie beim Betrachten eines modernen Gemäldes. Betrifft es mich oder betrifft es mich nicht? Es muss nicht so sehr schön sein, aber es muss faszinieren. Dann werde ich mich mit den technischen Aspekten befassen. Ich muss sie dann datieren können: Wie alt ist das Holz und stimmt es mit dem Bild auf der Vorderseite überein oder gibt es darunter noch andere Bilder? Es kann auch eine Freske sein, bei der ein altes Bild auf einem neuen Holz platziert wird. Ich schaue mir an, wie das Gemälde darauf angebracht wurde, wie das Werk im Laufe der Zeit restauriert wurde, wie die Rückseite aussieht, wie die Latten darin platziert wurden. Das sind die Lamellen, die eingelegt wurden, um ein Verziehen zu verhindern. Die technische Forschung hat in den letzten Jahrzehnten enorm viel geleistet, aber sie wird immer ein Werkzeug bleiben. Es kann nie eine endgültige Antwort geben, das muss immer mit dem Auge des Kenners geschehen. Technische Forschung erscheint oft schöner als sie ist. Für Ikonen werden fast nur natürliche Pigmente verwendet, sie sind so alt wie die Ägypter, Griechen und Römer. Sie können die Farbe nicht datieren. Sie wissen zwar, um welche Pigmente es sich handelt, aber nicht, wie alt beispielsweise das Eigelb ist, das in der Tempera verarbeitet wurde. Das bleibt die Aufgabe des Kunsthändlers, der mit fachmännischem Blick alle Aspekte zusammenführt und zu einer endgültigen Antwort kommt.