Künstlerin Masha Trebukova über ihre Kunst
„Das Kunstwerk hat sein eigenes Leben“

Die Sowjetunion war mit 250 Millionen Einwohnern groß und hatte nur wenige Kunstakademien, wo nicht mehr als  Mehrere hundert Künstler haben ihren Abschluss gemacht. Das war die gesamte Kunstwelt in der damaligen Sowjetunion. In gewisser Weise konnte man sagen, dass es kaum Kunst daneben gab und kaum eine Chance, von der Kunst zu leben. Ich selbst habe nämlich zwischen 1974 und 1980 die Moskauer Sekundarschule für Kunst besucht  Kunsterziehung für begabte Kinder, die Sie schon sehr früh besuchen. An dieser Schule machst du eine reguläre Schulausbildung und gleichzeitig deine künstlerische Ausbildung. Diese Institution war sehr akademisch und das scheint heute viel mehr der Fall zu sein als zu meiner Zeit. Dann habe ich noch sechs Jahre  das Surikov Institute of Art mit einer Spezialisierung auf zeitgenössische Kunst und Grafik. Als ich dort in den Achtzigern studierte, war der Sozialistische Realismus die einzige Kunstform, die es gab. Man kann viel Negatives darüber sagen, aber ich habe auch viel gelernt. Dadurch kann ich immer wählen, ob ich bestimmte Techniken und Kenntnisse anwenden möchte oder nicht. Zum Beispiel mache ich immer noch gelegentlich Porträts. Eigentlich ist das vergleichbar mit Musikerziehung; Als Basis lernen Sie auch, Ihre Finger zu kontrollieren, bevor Sie interpretieren dürfen. In der bildenden Kunst fällt es einem weniger vorbereiteten Publikum weniger auf.

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Repin repräsentierte die ikonische Kunst, in der wir  anstreben sollte. Das Ziel war, dass wir alle lernen, wie er zu zeichnen. Kunst musste also nicht nur gesellschaftliche Verhältnisse widerspiegeln, sondern auch einen gesellschaftlichen Auftrag erfüllen.

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Die Leute schauen auf einen Mondrian und sagen dann: „Das kann ich auch“. Sie betrachten dann nur noch eine Fläche und unterscheiden qualitativ nicht zwischen zwei abstrakten Gemälden. Das sehe ich sofort, aber es ist auch nur eine Frage der Ausbildung und Erfahrung. Ich merke sofort, ob ein Künstler professionell oder nicht professionell ist. Ich bin seit zwölf Jahren künstlerisch ausgebildet und das ist natürlich eine sehr lange Zeit. Wenn Sie in Russland Kunst, Literatur, Theater oder Musik studiert haben, waren das ideologische Studiengänge. Repin repräsentierte die ikonische Kunst, in der wir  anstreben sollte. Das Ziel war, dass wir alle lernen, wie er zu zeichnen. Kunst musste also nicht nur gesellschaftliche Verhältnisse widerspiegeln, sondern auch einen gesellschaftlichen Auftrag erfüllen. Es soll nicht nur Freude bereiten, sondern auch einem bestimmten Zweck dienen. Ich fand das schrecklich, aber ich konnte es nicht vermeiden, weil deine ganze Zukunft davon abhängt. Wenn nicht, hast du keinen Abschluss und nichts bekommen.

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„Einige Leute haben versucht, nicht-figurative Kunst zu machen, und das war eine echte Offenbarung für mich. Da dachte ich: „Wow, das geht auch!“

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Du musstest von diesen verrückten Dingen lernen, die niemand verstehen konnte. Aber du hattest keine Wahl. Es gab keinen Markt, also war es unmöglich, Kunst zu machen und sie zu verkaufen. Aber selbst wenn man die Ausbildung abgeschlossen hat, konnte man von den Einsätzen kaum leben. Sie haben Ihre Aufträge von der zentralen Zuordnungsstelle erhalten. Sie verteilte die herzustellende Kunst an die bestehenden Institutionen und staatlichen Unternehmen, die einen bestimmten Prozentsatz ihres Budgets für Kunst ausgeben mussten. Je nach Firma bestellten sie dann ein Genrebild eines Kochs, eines Klempners oder Arbeiter und Fabriken. Am Anfang bist du freischaffender Künstler, eine Festanstellung hast du erst nach zwanzig Jahren bekommen. Dann musste man bei so einem Auftrag erst mit einer Skizze erscheinen, dann mit einer halben Arbeit und schließlich mit dem Endergebnis. Es war sehr schlecht! Du konntest nichts tun, aber du musstest trotzdem leben.

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Durch Zufall landete ich bald in Cheluskinskaya, einem Haus, in dem sich Grafiker trafen und wo man zwei Monate leben und arbeiten konnte. Ich war insgesamt vier Mal dort und traf Leute aus der ganzen Sowjetunion, die verschiedene Dinge taten. Oft Menschen mit viel Erfahrung. Ich habe in diesen acht Monaten mehr gelernt als in den zwölf Jahren Schule und Akademie. Einige Künstler versuchten, nicht-figurative Kunst zu machen, und das war eine echte Offenbarung für mich. Da dachte ich: „Wow, das geht auch!“ Die ersten zwei Jahre nach dem Abschluss konnte ich nichts mehr machen und saß total fest. Und damit war ich nicht allein. Die meisten meiner Kommilitonen machen damit gar nichts mehr  Kunstunterricht. Sie haben die Möglichkeit, andere Dinge zu tun, viele Männer sind ins Geschäft eingestiegen, und einige Frauen haben Kinder bekommen und sagen, dass sie keine Zeit mehr haben.  

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„Es gibt keine Trennung zwischen figurativer und nicht-figurativer Kunst. Es gibt nur gute und schlechte Kunst mit viel Grau dazwischen. Und „gut und nicht gut“ kann man eigentlich nicht sagen, denn das ist Geschmackssache. Ich kann nur sagen: „Ich finde es faszinierend oder nicht, professionell oder nicht professionell.“  

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Manchmal weiß ich, was ich will, aber meistens nicht. Ich glaube, das liegt daran, dass ich eine Frau bin. Das klingt nicht sehr feministisch, aber ich glaube, Frauen fällt es schwerer, sich zu konzentrieren als Männern. Also eine Idee von Anfang bis Ende festzuhalten, das kann ich nicht und damit bin ich einverstanden. Ich muss mehr darauf hören, wie die Dinge laufen, als darauf, was ich will. Das Kunstwerk hat ein Eigenleben. Irgendwo muss ich mit dem Artwork zusammenkommen und ich kann es nicht erzwingen. Es ist sehr subtil und sehr persönlich. Ich glaube nicht, dass dies das Rezept für Kunst ist. Das ist bei jedem anders. Ich weiß nie, was morgen passieren wird. Ich kann mich morgen komplett umstellen und ich weiß auch, dass ich nichts lernen kann. Ich fange jeden Morgen neu an, als ob ich überhaupt nichts wüsste. Ich kann nur lernen, geduldig zu sein und zu lange mit der Arbeit aufzuhören.  

Bis vor sechs Jahren habe ich acht bis zehn Bilder im Monat gemalt. Heute bin ich mit vier im Monat zufrieden. Ich habe eine Theorie, dass bildende Kunst eine Raumkunst ist, die im Vergleich zu Musik und Theater sehr wenig Zeit braucht, um sie zu erleben. Aber je mehr man hinschaut, desto mehr Zeit braucht man, um die Dinge zu entschlüsseln. Die ganze Zeit darunter funktionieren auch alle darunter liegenden Schichten weiter, obwohl diese tatsächlich eine ist  durch die darauf liegenden Schichten unsichtbar geworden sind. Ich vermisse immer die Tiefe in einem Bild, das in einer Schicht gemalt ist oder zufällig so konzipiert wurde.  

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Diese Zeit und die Arbeit, die in sie geflossen ist, spürt man, wenn man die Arbeit sieht. Das sieht man sehr stark bei Georges Rouault. Er hat nicht viel gemacht, aber was er gemacht hat, zeigt nicht nur, wie viel Zeit er investiert hat, sondern auch die verschiedenen Momente, die in ein Gemälde gehören: die Kontraste, die weichen und kräftigen Farben, die Formen und die Töne. Seine Bilder sind zwar in Schwarz-Weiß gehalten, vermitteln aber dennoch eine starke Konzentration visueller Erfahrung. Das wirkt wie ein Magnet auf mich. Wenn ich im Museum auf seine Arbeiten stoße, bin ich davon angezogen und muss sie sehen. Es ist alles figurativ, aber auch sehr abstrakt. Er arbeitete in einer Zeit, in der er gerade Abschied nahm, sehr akademisch weiter. Er arbeitete an seiner eigenen Idee. Der Prozess war ihm wichtiger als die endgültige Arbeit. Und das gilt auch für mich.  

Ich merke, wenn ich eine Ausstellung besuche, habe ich die Vorstellung, dass die wenigsten Künstler noch Freude am Malen selbst haben, am Schaffensprozess. Oft sieht es so aus, als ob Maler es ganz schnell schaffen, das Gemälde wieder loszuwerden. Alte Meister sind daher nach wie vor die größte Inspirationsquelle für mich, allen voran Vermeer. Er malte ideal. Sie können ihm nichts hinzufügen oder davon abziehen. Es ist so voll, so vollständig. Seine Komposition war ideal, das Licht war ideal, das Verhältnis von Farbmenge und Licht.

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Ich erinnere mich jetzt, dass im Puschkin-Museum in Moskau das Gemälde "Haman und Ahasverus zu Gast bei Ester"  von Rembrandt. Ein kleines Gemälde; sehr geheimnisvoll und fast abstrakt. Sie müssen sich keine Fragen stellen, weil sie sowieso nicht beantwortet werden können. Es ist nicht wie bei Repin, wo es keine Geheimnisse gibt und alles wie ein Comicstrip ist. Bei Rembrandt ist sie sowohl ideal als auch unzugänglich. Was mir sehr wichtig ist, ist, dass man darin auch sehr wenig vom Künstler sieht. Der Künstler ist nicht identifizierbar. Es ist völlig abstrahierte Kunst. Vermeer und Rembrandt, aber auch Francis Bacon zum Beispiel.  

„Jeder erlebt die Welt subjektiv und jeder hält das, was er sieht und erlebt, für objektiv, aber das ist natürlich überhaupt nicht der Fall. Mit seiner Subjektivität kann der Künstler eine Realität abbilden, die für den Betrachter objektivierbar wird.'

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Jeder erlebt die Welt subjektiv und jeder hält das, was er sieht und erlebt, für objektiv, aber das ist natürlich überhaupt nicht der Fall. Mit seiner Subjektivität kann der Künstler eine Wirklichkeit darstellen, die für den Betrachter objektivierbar wird. Niemand wird leugnen, dass Bacons Welt sehr subjektiv ist, aber sie ist sehr real, sehr real. Der Künstler war dabei, ist aber kein Teilnehmer. Der Künstler beteiligt sich nicht an der ganzen Hektik, sondern beobachtet nur. So auch bei Rembrandts Selbstporträts. Er ist nur als Zuschauer da. Alles existiert bereits in der Welt. Dem muss man als Künstler nichts hinzufügen. Man muss es nur als Maler, als Komponist oder als Wissenschaftler entschlüsseln. Sie müssen nur Augen sein und müssen an nichts mehr denken. Es ist nicht erfunden, nicht erfunden, sondern real. Neu ist, dass Sie es auf endlose Weise erleben können. Du zeigst den Menschen, dass etwas existiert, das aber noch nicht aufgeschrieben oder abgebildet ist. Die Öffentlichkeit erkennt und weiß es. Wenn es eine gute Malerin wie Marlène Dumas ist, dann sieht man nach der Ausstellung alles und jeden wie von ihr gemalt. Sie erkennen etwas, das es bereits gibt! Das ist vergleichbar mit der Erfahrung von Menschen, die die impressionistische Leinwand sahen, auf der Monet den Morgen in seltsamen Farben darstellte. Zuerst war es seltsam, aber als die Leute nach draußen schauten, sahen sie, dass es wirklich so war! Das ist es, was Kunst tut, sie erweitert die Lebenserfahrung und macht dich reicher.

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Koos de Wilt, 12. September 2002

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