Man kann es ein angenehmes Chaos nennen. Überall auf dem riesigen Raum liegen Schaumstoffteile, Aerosoldosen, Eimer, Büstenabdrücke, Sturzhelme, Teile von Mannequins, Baumaterial, Dosen mit Hartschaum. In einer Industriehalle in Krommenie in Nordholland, abseits der geschäftigen Kunstszene, teilt sich der Künstler Folkert de Jong ein großes Atelier mit seiner Freundin und Mutter seiner kleinen Kinder. Sie arbeitet mit Textilien und er macht Skulpturen. Warum gemeinsam ein Studio teilen? „Ich sehe nur Vorteile. Wir bringen die Kinder zur Schule und gehen dann gemeinsam in unser Atelier. Ich bin gerne nicht allein und meine Freundin ist meine größte Kritikerin. Nichts verlässt das Studio ohne ihre Zustimmung. Sie sieht deutlich, welchen Platz ein neues Werk in meinem Oeuvre einnimmt und ob es ein Fortschritt ist oder nicht. Jedes neue Werk muss immer eine neue Seite in meiner Geschichte sein.“

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„Ich wechselte vom festlichen und vergänglichen Schaumkunststoff zu haltbareren, gut durchdachten Bronzeskulpturen.“

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Abseits vom Glamour

Vor 2008 war die Regel, dass alles vor der Eröffnung von Galerieausstellungen verkauft wurde. Und so ging es Jahr für Jahr weiter. „Ich hatte eine Art Popstar-Karriere ohne Rückschläge und war zu einer Art Workaholic geworden. Es gab einen ständigen Druck von der Galerie, mehr zu machen, mehr zu verkaufen. Mein Ego wurde dadurch gestreichelt und es hat auch materiell viel gebracht. Ich habe immer gearbeitet. Meine Freundin und ich verließen das Haus im Dunkeln und kamen im Dunkeln nach Hause. Wir haben im Studio gegessen und ich habe meine Freude an meinem Ego-Trip bekommen. Das hat sich mit der Krise und der Geburt meines ersten Kindes geändert. Ich bereute und brachte alles zurück zu mir selbst und dorthin, wo ich herkam, auf den Boden. Ich habe in Los Angeles und New York gearbeitet und da verschwindet man schnell in einer glamourösen Welt, in der man wie in einem Drehbuch eines Films lebt. Ich spüre die Tiefe, die ich hier in Krommenie erlebe, in der Nähe meines Geburtsortes, stärker als in Amerika. Hier finde ich Freude an meiner Arbeit und fühle mich wie ein besserer Mensch.“

„Ich möchte mit meiner Kunst eine Rolle in der Gesellschaft spielen und nicht nur in den Sammlungen von Sammlern oder Museen.“

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Verletzlichkeit erleben

De Jong war einst Krankenschwester und wurde erst später zum Künstler ausgebildet. Etwas ganz anderes, könnte man meinen. De Jong: „Ich glaube nicht. In beiden Fällen versuche ich, die Welt zu einem besseren Ort zu machen und arbeite in einem sozialen Kontext. In einem Krankenhaus erfahren Menschen die Verletzlichkeit ihrer Existenz und darum geht es in meiner Arbeit. In der medizinischen Welt wurden große Fortschritte gemacht, um das Kranksein zu erleichtern. Diese Verletzlichkeit auf der einen Seite und der Versuch der Menschen, Krankheit und Tod zu entkommen, faszinieren mich. Durch meine Arbeit versuche ich, Menschen aus ihrer Komfortzone zu holen und sie ihre Verletzlichkeit erfahren zu lassen.“ Folkert de Jong arbeitet oft mit Materialien, die ursprünglich aus der amerikanischen petrochemischen Industrie stammen, für Kriegszwecke entwickelt und später als Baumaterial verwendet wurden. De Jong: „Polyurethan und Polystyrolschaum entsprechen dem Bedürfnis der Menschen, in materieller Hinsicht klüger zu werden, Status und Macht zu erlangen und dort ihr Glück zu suchen. Ich finde es interessant, etwas Industrielles wie Bauschaum mit einer spirituellen Aufladung zu versehen. Es repräsentiert alles, was uns zu den Schaltflächen führt. Es ist schlecht für die Umwelt und dehnt sich unkontrolliert aus. Aber ich möchte die Menschen durch meine Kunst aufrichten, den Menschen Hoffnung geben, besonders mit diesem Material.“

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„Ein Künstler verwandelt Material in etwas, das nicht nur materiell, sondern auch inhaltlich einen Mehrwert gewinnt.“

Zurück zu Bronze

Durch die Arbeit mit Schaumstoff distanzierte er sich von uralten Traditionen in der Bildhauerei. Von mächtigen Männern, die sich unverwundbar in perfekter Bronze verewigen ließen. Genau das wollte De Jong nicht. Aber jetzt ist er auf Bronze umgestiegen, etwa für das Werk Duel, ein Schusswechsel zwischen einer Frau und einem Mann in Kleidung des 19. Jahrhunderts. Auf den ersten Blick sind es romantische Bilder, die in einen angenehmen Park passen, aber mit einer konfrontativen Szene einer Schießerei und deren Aussehen, wenn man näher kommt, etwas Morbides und Verletzliches annimmt. De Jong: „Der Schaum, mit dem ich gearbeitet habe, passte zur glamourösen und grotesken Filmindustrie der Westküste Amerikas. Aber die Welt hat sich in kurzer Zeit verändert und im Leben vieler Menschen haben sich Dramen abgespielt. Ich wechselte vom festlichen und vergänglichen Schaumkunststoff zu haltbareren, gut durchdachten Bronzeskulpturen. Auch hier erleben Sie Verwundbarkeit. Das sieht man an den patinierten Farben und im Unpolierten an meiner Verwendung des Materials. Die polierten Bronzestatuen, die wir aus der Kunstgeschichte kennen, scheinen im wirklichen Leben aus ebenfalls empfindlichem und erosionsgefährdetem Material gebaut worden zu sein.“  

Konfrontation auf der Straße

Folkert de Jong sucht die Ruhe seines Ateliers, um draußen in der großen Welt zu sein  Geschichte zu erzählen: „Ich möchte mit meiner Kunst eine Rolle in der Gesellschaft spielen und nicht nur in den Sammlungen von Sammlern oder Museen. Kürzlich wurden die Bilder von The Duel im Jardin de Plantes in Paris aufgestellt und die Leute hörten auf zu joggen, um sie zu fotografieren. Einige liebten es und andere schauderten. Die Bilder rufen starke Emotionen hervor und das finde ich großartig. Ich nehme jetzt an einem Wettbewerb für eine Statue von Papst Adrian VI. in Utrecht teil. Ich finde die Rolle der Religion in unserer Gesellschaft ungeheuer interessant. Vor allem, wenn man sieht, wie tief der Glaube mit unserer Geschichte und der Kunstgeschichte verwoben ist. Und weiterhin. Und die Idee von Anbetung und Glaube fasziniert mich ungemein. Ich bin nicht religiös, aber ich bin unter ihnen aufgewachsen. Ein Künstler verwandelt Material in etwas, das nicht nur materiell, sondern auch inhaltlich einen Mehrwert gewinnt. Im Laufe der Geschichte waren es immer Künstler, die Spiritualität materialisierten und die bis in unsere Zeit weiter brodelt. Nach all den Jahren habe ich das Gefühl, dass ich mich traue, mich der Kunstgeschichte und den Menschen auf der Straße, die mit meiner Kunst konfrontiert werden, zu stellen. Ich habe etwas zu sagen und es ist mir nicht peinlich.'