Urban Larsson, Porträtmaler

„Jeder Pinselstrich ist eine emotionale Entscheidung von mir“

Text & Bild von Koos de Wilt für Collect

Der in Amsterdam lebende schwedische Maler Urban Larsson (1966) hat seinen Arbeitsplatz in der ruhigen und historischen Prinseneiland, in dem Atelier, in dem vor hundert Jahren sein Vorgänger George H. Breitner arbeitete. Die Nordlichter, ideal für Maler, kommen so herein, dass alles, was Sie sehen, malerisch aussieht. Im Hintergrund ist leise klassische Musik zu hören und an den Wänden hängen Dutzende von Porträts und toskanischen Landschaften. Im Raum verstreut stehen verschiedene Staffeleien, antike Schränke und Stühle, ein Behälter voller Pinsel und ein Tisch mit Pigmenten und Ölen, um eigene Farben herzustellen. Es ist ein Raum, um nicht nur angenehm zu arbeiten, sondern sich auch zu entspannen und gleichzeitig gemalt zu werden. „Mir ist aufgefallen, dass Menschen oft Angst davor haben, porträtiert zu werden, aber meiner Erfahrung nach haben 99 Prozent der Menschen, die ich gemalt habe, es geliebt“, sagt der Maler. „Hinter mir steht immer eine Staffelei mit Spiegel, damit man den Prozess Schritt für Schritt verfolgen kann. Ich durfte einmal Wim Kok für das Ministerium für Allgemeine Angelegenheiten malen. Ich erinnere mich, als er mich anrief, um zu fragen, ob er beim Malen die Zeitung lesen dürfe. Ich sagte ihm dann, dass es nicht die Absicht sei, ein Porträt eines zeitungslesenden Premierministers zu haben. Ich erinnere mich, dass wir sehr schöne Sessions und tolle Gespräche hatten.“

Der in Amsterdam lebende schwedische Maler hat seinen Arbeitsplatz im ruhigen und historischen Prinseneiland, im Atelier, in dem vor hundert Jahren sein Vorgänger George H. Breitner arbeitete.

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Trotz des Aufstiegs der Fotografie vor etwa 150 Jahren werden immer noch gemalte Porträts von Verwaltungsbeamten in Ministerien, Universitäten und anderen Organisationen angefertigt. Urban Larsson porträtierte beispielsweise Königin Silvia von Schweden, Máxima und Willem-Alexander, Partner renommierter Anwaltskanzleien und Jan Six XI. Was ist daran anders, als wenn ein Foto gemacht wird? Urban: „Ein Gemälde, das nach dem Leben gemalt ist, nicht nach einem Foto, ist viel mehr eine künstlerische Interpretation dessen, wer jemand ist, mehr als ein Foto es jemals sein kann. Die überwiegende Mehrheit der Porträtmaler arbeitet nach einem Foto, ich nicht. Jeder Pinselstrich ist eine rationale und emotionale Entscheidung von mir. Meine Porträts kommen nicht nur mir selbst, sondern auch der abgebildeten Person nahe. Daher sind gemalte Porträts immer noch relevant. Ich denke, es entsteht eine Tiefe, die zeitloser ist. Es ist kein Zehntelsekundenblick wie ein Foto, sondern eine Interpretation, die Sie in einigen Sitzungen von wenigen Stunden machen. Ich interessiere mich für die Realität, für ein breiteres Spektrum dessen, was ein Mensch ist. Gerade in den letzten Jahrzehnten sieht man, dass man das gerne wieder sehen würde.“

„Meine Porträts sind nicht wie ein Foto ein Zehntelsekundenblick, sondern eine Interpretation, die Sie in ein paar Sitzungen von ein paar Stunden machen.“

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John Singer Sargent

Wie lange dauert es, ein Porträt zu machen? „Das hängt davon ab, wie groß das Gemälde wird. Aber ich gehe von fünf bis acht Sitzungen von etwa zweieinhalb bis drei Stunden aus. Bei großen Porträts können Stellvertreter anstelle des Porträtierten auftreten. Das heißt, die Kleidung zu bemalen. Ein Porträt zu malen braucht Zeit. Einer meiner Favoriten ist der Amerikaner John Singer Sargent, der um die Jahrhundertwende lebte. Seine Bilder haben einen lockeren Touch und wirken schnell gemalt. Aber auch bei ihm waren manchmal vierzehn Sitzungen involviert, um den Eindruck zu erwecken, als wären sie in einer schnellen Bewegung auf die Leinwand gebracht worden. Er tat dies in einem Prozess, in einem Staatsstreich, wie es im 19. Jahrhundert üblich war. Auch Frans Hals malte bereits im 17. Jahrhundert auf diese Weise. Es scheint, als hätte er seine Motive mit einem Schlag auf die Leinwand geschmiert, aber auch das muss Zeit gehabt haben.' Und was ist mit Rembrandt, hat er nicht schneller gemalt, zum Beispiel das unsignierte, pastöse Porträt seines Freundes Jan Six I, der gerade dabei ist, seine Handschuhe anzuziehen? Larsson: „Wir wissen wenig darüber, wie dieses Gemälde entstanden sein muss. Ernst van de Wetering, der berühmte Rembrandt-Experte, sagte einmal, dass das Porträt an einem Tag gemalt worden wäre. Daran glaube ich nicht, dann hat man keine Ahnung vom Prozess des Malens. Selbst Rembrandt muss viele Tage dafür gebraucht haben. Davon bin ich überzeugt. Antoon van Dyck muss auch lange gebraucht haben, um die Bilder zu schreiben, die eine schnelle Berührung zu haben scheinen.'  

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„Ich interessiere mich für die Realität, für ein breiteres Spektrum dessen, was eine Person ist.“
 

Was unterscheidet Larssons Arbeit von seinen Vorgängern aus dem 17. oder 19. Jahrhundert? „Ich fühle mich wie ein zeitgenössischer Maler. Ich versuche nicht, einen alten Stil zu imitieren, aber ich verwende eine visuelle Grammatik, die ich in den letzten fünfhundert Jahren der Malerei aufgebaut habe. Ende des 19. Jahrhunderts geriet die Malerei in ihrer akademischen Form in eine Sackgasse. Dann kamen neue Stile wie der des Impressionismus dazu. Die niederländische Malerei des 17. Jahrhunderts war in vielerlei Hinsicht viel „moderner“. Sargent hatte einen Fuß in der Kunstgeschichte mit Malern wie Tizian und Van Dyck im frühen zwanzigsten Jahrhundert und einen anderen in der Zeit des Impressionismus. Diese Kombination macht seine Arbeit besonders, weil er beides bravourös gemeistert hat. Für meine eigene Arbeit geht es mir nicht um die Frage, in welchem Stil ich male. Ich arbeite an dem, woran ich selbst glaube.“

Diego Velázquez

Michelangelo muss einmal gesagt haben, dass ein Porträt nicht so aussehen muss, sondern dass es viel wichtiger ist, wie man in Zukunft in Erinnerung bleiben möchte. Wie sieht Larsson das? „Ich zitiere oft den Maler James Whistler. Er sagte einmal: „Manchmal dauert es lange, bis ein Mensch so aussieht wie sein Porträt. Wichtig ist, dass man jemanden stark und ehrlich darstellt, der auch noch in 150 Jahren interessant anzusehen ist, also auch dann, wenn man die betreffende Person noch nicht kennt. Das hat das Porträt von Juan de Pareja, das Diego Velázquez 1650 malte. Niemand kannte Velázquez, als er in Rom war, um den Papst darzustellen. Um in Form zu kommen, malte er seinen Assistenten. Jedes Jahr gab es im Pantheon eine Ausstellung, in der Velázquez dieses Gemälde zeigte. Die Geschichte besagte, dass die römischen Maler vor dem Werk nicht glauben konnten, was sie sahen. Das hat sich in den Jahrhunderten seitdem nicht geändert. Es ist das erste Gemälde, das für mehr als eine Million Dollar verkauft wurde. Das Metropolitan Museum of Art betrachtete es damals als eine der wichtigsten Anschaffungen in der Geschichte des Museums. Immer noch etwas Besonderes, ein Porträt eines Mannes, der noch ein Sklave war, als er verewigt wurde. Wenige Monate nach dem Malen machte Velázquez aus seinem sklavengeborenen Assistenten einen freien Mann, und das Porträt spricht noch heute zu uns.“

„Ein Gemälde, das nach dem Leben gemalt wurde, nicht nach einem Foto, ist viel mehr eine Interpretation des Künstlers dessen, wer jemand ist, mehr als ein Foto es jemals sein kann.“

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Juan de Pareja sieht sehr gut aus. Wie nachsichtig ist Urban Larsson gegenüber seinen Kunden? „Die holländischen und flämischen Maler des 17. Jahrhunderts waren naturalistischer, ehrlicher als ihre idealisierenden Kollegen in Italien. Ich versuche, die Menschen ehrlich darzustellen. Ich strebe ein Bild des ganzen Menschen an. Manchmal sehen sich Menschen als Menschen, die sie gerne wären. Das Aufnehmen eines Charakters ist ein unbewusster Prozess. Das kommt während des Prozesses. Es kann in der ersten Sitzung auftauchen, aber manchmal muss man seine Lieblinge töten und weitermachen, um es noch besser zu machen. Ich vergleiche es mit dem Gehen auf einem Drahtseil, wo man immer sein Gleichgewicht finden muss. Balance zwischen verschiedenen Farben, zwischen dunkel und hell, zwischen kalt und warm, zwischen Proportionen und das alles im Verhältnis zum Ganzen. Ein Auge zu malen ist nicht schwer, aber ein Auge im Verhältnis zum Ganzen ist die Herausforderung. Andererseits muss man beim Arbeiten in eine Art Flow kommen und sich trauen, alles loszulassen. Es ist jedes Mal faszinierend, wenn man sieht, wie das Porträt plötzlich zum Leben erwacht. Das ist jedes Mal eine Herausforderung und nach dreißig Jahren noch keine Routine.“

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[2020]

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