Simon Morsink de 'Icônes de Jan Morsink'
'L'unique, l'original dans la limite'
Quelle est la magie des icônes ? En quoi l'art diffère-t-il des autres formes d'art et comment pouvez-vous caractériser le collectionneur d'icônes ? Entretien avec le marchand d'art Simon Morsink, spécialiste des icônes crétoises et russes. 'Avec d'autres œuvres d'art, vous pouvez acheter un grand nom. Une icône est anonyme, vous ne pouvez pas dire si deux mille ou deux cent mille euros ont été payés pour cela. Vous ne pouvez donc pas impressionner du tout avec ça. Entretien : Koos de Wilt (2010)
L'art des icônes est essentiellement un art médiéval. Le Moyen Âge a duré beaucoup plus longtemps en Russie et cette forme d'art a pu se développer beaucoup plus longtemps. En Occident, la Renaissance a entraîné un développement très différent, une forte individualisation, tandis que les Russes restaient dans un monde plus ou moins médiéval. Jusqu'au XIXe siècle, l'art de l'icône a pu se développer en Russie, où l'on pouvait découvrir tantôt des styles historicisants, tantôt même une sorte de style Art nouveau. En gros, on peut dire que jusqu'au XIXe siècle, il n'y avait tout simplement rien d'autre que l'art des icônes. Pas d'art profane, donc pas de peinture de portrait, pas de peinture de paysage, pas de peinture d'histoire. Bref, toute la créativité et tout le talent étaient dirigés vers l'art de l'icône. Et cela a duré jusqu'à la Révolution russe de 1914. La Russie est devenue un centre important pour la foi orthodoxe après l'effondrement de l'Empire byzantin en 1453. Les peintres ont fui vers d'autres régions et à la fin du XIVe et au début du XVe siècle, le grand Andrej Rublow sont de grands triomphes. . Un siècle plus tard, vous avez le grand Dionysios. En plus de ces points culminants russes, la peinture crétoise du XVe au XVIIe siècle est également d'une qualité absolue.
L'apogée des icônes russes se situe aux XVe et XVIe siècles. A cette époque, vous avez les grandes écoles de Novgorod et de Moscou puis, à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle, le style Stroganov et les villes Wolga. Au milieu du XVIIe siècle, il y a l'école du Kremlin et l'essor de la peinture plus naturaliste. Le marché actuel des icônes peut être divisé un peu comme le marché de l'Europe du Nord-Ouest, qui est orienté vers les icônes russes, et l'Europe du Sud et l'Amérique, qui s'intéressent principalement aux icônes grecques et crétoises en particulier. À propos de la différence entre les icônes grecques et russes, on peut dire en gros que les icônes grecques ont souvent une apparence plus expressive que les icônes russes, qui sont beaucoup plus tournées vers l'intérieur. Il est peint à la détrempe dans les deux cas, mais la couleur et la manière de peindre sont différentes.
« C'est exactement l'inverse avec les icônes : le point d'intersection se trouve avec le spectateur et non en un point au loin. C'est ainsi que vous êtes attiré dans le monde divin.
Vous pouvez voir la nature introvertie de l'art russe dans l'utilisation sobre de la couleur, les lignes simples et la manière schématique dont les vêtements et les visages sont élaborés. Les icônes russes laissent également plus de place au spectateur pour remplir lui-même le reste. Cette simplicité et cette suggestion travaillent aussi plus fortement sur mon imagination. En disant cela, je me rends compte qu'il est très difficile de prononcer ces généralités, il y a une telle variété dans l'art des icônes. La différence avec, par exemple, la peinture italienne du XIVe siècle, par exemple de Giotto, c'est, entre autres, le plein des images, la peur du vide. Le point de vue est également différent. Avec les icônes, c'est exactement l'inverse : le point d'intersection se trouve avec le spectateur et non en un point au loin. C'est ainsi que vous êtes attiré dans le monde divin. Le fond est souvent d'or et d'argent, ce qui, selon la tradition médiévale, est le plus proche de la lumière divine. La planéité des figures lui donne aussi son effet aliénant. Les peintres d'icônes ne créent pas de profondeur au moyen d'ombres, comme dans l'art naturaliste occidental, mais au moyen de la lumière, avec du blanc. Et cette lumière blanche est le reflet de la lumière divine. Là où les Italiens mettent de plus en plus l'accent sur l'humain, le naturaliste, les peintres d'icônes se plongent dans le divin.
«Après tout, l'intention est que le saint soit représenté tel qu'il a dû apparaître dans la réalité. Et peut-être à quoi il ressemblerait maintenant.
Les icônes ont environ deux mille ans et si vous les regardez superficiellement, elles se ressemblent toutes. Moi-même, je recherche toujours l'original dans l'œuvre et cela semble contredire ce que représentent les icônes. Après tout, l'intention est que le saint soit représenté à quoi il devait ressembler en réalité. Et peut-être à quoi il ressemblerait maintenant. Pour y parvenir, il faut toujours revenir aux exemples anciens et le peintre ne pouvait pas suivre son propre chemin. Au moment de la prière, le saint est présent à travers son icône. C'est une sorte d'idée néoplatonicienne, où le saint dans le ciel, qu'on ne peut pas voir, a une ombre sur terre sous la forme d'une icône. Vous n'aviez pas le droit d'adorer l'icône, c'est trop, mais vous aviez le droit d'adorer le saint, qui est présent dans l'icône.
Ce n'est pas une peinture naturaliste, après tout, ce sont des saints qui sont représentés en deux dimensions avec des fonds dorés et des vêtements et des visages fortement stylisés qui soulignent la sainteté. La bonne chose à propos des icônes est qu'il existe une énorme richesse de façons de travailler dans la limite. Je pense personnellement que l'art est plus intéressant quand il y a des limites. Si tout est possible, l'art devient de plus en plus inintéressant. Les limites obligent l'artiste à façonner sa créativité dans des limites. Et cela produit les formes d'art les plus excitantes pour moi. Au moment où la Renaissance commence, au moment où les historiens de l'art commencent à trouver l'art intéressant, je commence à le trouver moins intéressant parce qu'il y a de moins en moins de restrictions. Le glas pour moi, c'est quand l'art ne parle que de lui-même, de l'art pour l'art. Ensuite, l'art devient vide de sens et sans signification pour moi et perd son expressivité. De plus, les icônes ne sont pas faites pour être juste belles. Ils sont peints comme un moyen, ils veulent dire quelque chose. Toutes ces mains qui y ont travaillé l'ont fait d'une manière différente. Vous le verrez si vous regardez et comparez beaucoup. Ensuite, vous commencez à reconnaître les mains, sans que les artistes ne signent ou ne le fassent eux-mêmes. Vous reconnaissez aussi d'autres choses. Chaque personne est une personne de son époque et de son environnement. Ainsi, vous voyez toujours sur les icônes, malgré le fait que les anciens exemples ont toujours été suivis, des éléments de la vie quotidienne et de l'environnement quotidien. Les peintres n'en étaient pas conscients, mais cela se voit dans les vêtements, mais aussi dans des choses comme les encadrements de fenêtres de l'architecture, les portails et les tourelles. Parce que c'est toujours la même image qui est toujours faite par des mains différentes, vous pouvez aussi voir clairement les différences et cela détermine en grande partie la qualité. Nicolas est le saint le plus important de l'Église orthodoxe et a été représenté un nombre infini de fois. Les mettre à côté d'eux rend cela très amusant, alors vous pouvez vous demander pourquoi l'un vous laisse froid et l'autre devient très excitant. Cela a dû occuper un certain nombre d'artistes modernes. Ils l'ont regardé de la même manière qu'ils ont regardé l'art africain. Matisse, Chagall et Picasso avaient tous des icônes. Vous pouvez également reconnaître clairement dans le travail de Malevits qu'il a grandi avec l'art des icônes. Par exemple, si vous deviez isoler le fond d'une image de Nicolas, vous auriez un motif similaire à ce que l'on retrouve dans l'art de Malevits.
"Parce que c'est toujours la même image qui a toujours été faite par des mains différentes, vous pouvez également voir clairement les différences et cela détermine en grande partie la qualité."
Les vrais collectionneurs disparaissent un peu dans l'art, donc les gens qui n'achètent que des icônes ou que des poteries ou des peintures du XVIIe siècle. L'acheteur d'art moderne est devenu beaucoup plus éclectique. Il achète un cheval Tang, un vieux maître hollandais du XVIIe siècle et une icône russe. Mais parce que les icônes sont une forme d'art très spécifique, le collectionneur spécifique y restera toujours. Cela est dû en partie au fait que les icônes sont une forme d'art anonyme. Les œuvres n'ont jamais été signées, vous n'avez donc jamais de bons éléments de comparaison en ce qui concerne les prix des icônes. Seules les icônes grecques crétoises des XVIe et XVIIe siècles sont parfois signées et si c'est le cas, elles valent beaucoup d'argent. De grands peintres comme Dionysios, Théophaan le Grec et Andrej Rublow n'ont jamais signé non plus. En fait, vous n'achetez jamais pour le nom. C'est pourquoi il faut regarder très attentivement. Il ne s'agit que de l'objet et de sa qualité. Vous n'achetez toujours qu'une icône, qu'elle coûte 2 000 euros ou une icône russe unique des XVe et XVIe siècles qui doit rapporter 200 000 euros. Le public icône n'est donc pas un public où il brille sur six faces, il n'est généralement pas frappant en apparence. Ce n'est pas l'argent frais avec les grosses voitures et la maison où de grandes choses doivent être accrochées au mur. Les icônes sont achetées par des personnes qui les achètent uniquement pour elles-mêmes, pas pour le voisin ou parce que tout le monde achète des icônes. Dans d'autres arts, vous pouvez acheter un grand nom. Une icône est anonyme, vous ne pouvez pas dire si deux mille ou deux cent mille euros ont été payés pour cela. Vous ne pouvez donc pas impressionner du tout avec cela. Et c'est très amusant pour moi de l'échanger.
L'intérêt pour les icônes augmente, pas comme avec le battage médiatique de la fin des années 70, du début des années 80, mais d'une manière saine. À la fin des années 1970, le battage médiatique était probablement un peu inventé et manipulé, tout comme avec le battage médiatique sur Internet. C'était nouveau, il y avait de l'approvisionnement et c'est sorti de nulle part. En fait, il n'y avait pratiquement aucune connaissance disponible. Il s'est effondré lors de deux scandales majeurs dans lesquels les collections contenaient de nombreuses contrefaçons. Les journaux en étaient pleins, comme pour tout battage médiatique. En fin de compte, ils se sont souvent avérés ne pas être des contrefaçons, mais à ce moment-là, les prix s'étaient déjà effondrés. A la fin des années 80, après la chute du mur, l'intérêt a lentement mais sûrement repris. Après la hype, l'icône est restée dans les esprits, ce qui n'était pas du tout le cas au début des années 1970. Il y a aussi beaucoup plus de sensibilisation et de connaissances sur les différences. Dans le passé, chaque icône valait de l'argent simplement parce que c'était une icône. Désormais, il y a une énorme distinction entre les icônes valant quelques centaines d'euros et les icônes des XVe et XVIe siècles de Moscou ou de Crète.
"Vous pouvez clairement reconnaître dans le travail de Malevits qu'il a grandi avec l'art des icônes."
Nous échangeons des icônes russes et crétoises qui commencent chez nous à quatre, cinq mille euros. Les pièces les plus chères coûtent environ 85 000 euros. Les icônes byzantines arrivent très occasionnellement sur le marché. Il n'y a donc pas de commerce. Si l'on arrive sur le marché, ce sera unique, pour ainsi dire, il n'y a pas de prix pour ça. Il est également extrêmement difficile d'obtenir de bonnes icônes russes et crétoises des XVe et XVIe siècles. Ceux-ci sont devenus de plus en plus rares ces dernières années et la demande pour eux est en augmentation. C'est ce que les gens veulent et cela affecte le prix. Ce qui compte, c'est la qualité supérieure, le meilleur achat de son genre. Et il y en a peu. J'ai lu une fois dans un journal qu'un énorme pourcentage des icônes se trouvent maintenant à l'ouest. C'est un non-sens total. Je pense que 95% de cette forme d'art est toujours dans le pays d'origine. Cela tient au fait que le commerce de cette forme d'art n'a commencé qu'au XIXe siècle. Ceci est donc différent de la plupart des autres formes d'art qui ont été commercialisées pendant un certain temps. C'est pourquoi pratiquement rien des icônes n'a été perdu. A la fin du 19ème siècle, il n'y avait qu'en Russie que la collecte était très active par des collectionneurs privés. Ils sont entrés en conflit avec la Révolution russe d'un seul coup. La plupart d'entre eux en Russie se sont retrouvés dans les musées ou laissés dans les églises. Dans les années 1930, certains ont été vendus par le marchand d'art d'État russe, qui a également vendu un certain nombre d'œufs de Fabergé, mais ce n'est qu'une fraction de ce que l'on peut voir en Russie. Toutes les icônes russes célèbres sont toujours en Russie, aucune n'est à l'étranger.
"Quand j'achète des icônes, la première chose que je regarde, c'est l'impact. Tout comme regarder une peinture moderne. Est-ce que ça m'affecte ou est-ce que ça ne m'affecte pas ? Ça n'a pas besoin d'être tellement beau, mais ça doit fasciner.
La Ronde de nuit parmi les icônes est Trinity d'Andrej Rublow. Le thème de cette peinture est au cœur de la foi russe, la croyance en la Trinité, du Dieu, du Père et du Saint-Esprit. La façon dont il est peint est vraiment génial. Cette icône est inextricablement liée à l'histoire de la Russie, peinte pour le monastère de la Trinité, le plus important monastère de Russie. L'icône a été l'un des faiseurs de miracles les plus vénérés, décrit dans de nombreuses chroniques. Peut-être que ce que nous avons eu en Occident avec les reliques est quelque peu similaire à ce que les Russes avaient avec les icônes. Dans les deux cas, le saint était en fait considéré comme présent dans l'objet. Le sacré dans l'art est bien sûr aussi important pour les acheteurs d'aujourd'hui. Ils ne l'achètent jamais pour des raisons religieuses, mais ce que je remarque souvent, c'est que cela affecte les gens. Les gens ressentent une émotion particulière d'une manière ou d'une autre, même lorsqu'ils achètent toutes sortes d'autres objets d'art. Cela les attrape et cela a sans doute à voir avec l'apparence religieuse. Je m'en aperçois à la Tefaf lorsque certaines personnes visitent plus ou moins par hasard notre stand. Ils peuvent alors être touchés immédiatement.
Lorsque j'achète des icônes, la première chose que je regarde, c'est l'impact. Tout comme regarder une peinture moderne. Est-ce que ça m'affecte ou est-ce que ça ne m'affecte pas ? Il n'a pas besoin d'être tellement beau, mais il doit fasciner. Ensuite, j'aborderai les aspects techniques. Je dois alors pouvoir les dater : quel âge a le bois et correspond-il à l'image sur le devant ou y a-t-il d'autres images en dessous. Il peut également s'agir d'une fresque, où une ancienne image est placée sur un nouveau bois. Je regarde comment le tableau a été posé, comment l'œuvre a été restaurée au fil du temps, à quoi ressemble le dos, comment les lattes y ont été placées. Ce sont les lattes qui ont été mises en place pour éviter le gauchissement. La recherche technique a produit énormément au cours des dernières décennies, mais elle restera toujours un outil. Il ne peut jamais fournir de réponse définitive, cela doit toujours être fait avec l'œil du connaisseur. La recherche technique semble souvent plus agréable qu'elle ne l'est. Pour les icônes, presque uniquement des pigments naturels sont utilisés, ils sont aussi anciens que les Égyptiens, les Grecs et les Romains. Vous ne pouvez pas dater la peinture. Vous savez de quels pigments il s'agit, mais pas de quel âge, par exemple, le jaune d'œuf qui a été traité à la détrempe. Cela reste la tâche du marchand d'art, qui combine tous les aspects avec un œil expert et arrive à une réponse définitive.