L'artiste Masha Trebukova à propos de son art
"L'œuvre d'art a sa propre vie"

L'Union soviétique était grande avec 250 millions d'habitants et n'avait que quelques académies des beaux-arts, où chaque année pas plus de  plusieurs centaines d'artistes diplômés. C'était tout le monde de l'art dans l'Union soviétique de l'époque. Dans un sens, on pourrait dire qu'il n'y avait presque pas d'art à côté et qu'il y avait peu de chance de vivre de l'art. J'ai moi-même fréquenté l'école secondaire d'art de Moscou entre 1974 et 1980, c'est-à-dire  l'éducation artistique pour les enfants surdoués que vous fréquentez dès le plus jeune âge. Dans cette école, vous faites une formation scolaire régulière et en même temps votre formation artistique. Cette institution était très académique et cela semble être beaucoup plus le cas aujourd'hui qu'à mon époque. Ensuite, j'ai encore six ans  l'Institut d'art Surikov avec une spécialisation en art contemporain et en graphisme. Lorsque j'y étudiais dans les années 80, le réalisme socialiste était la seule forme d'art qui existait. On peut en dire beaucoup de choses négatives, mais j'ai aussi beaucoup appris. Par conséquent, je peux toujours choisir d'appliquer ou non certaines techniques et connaissances. Par exemple, je fais encore occasionnellement des portraits. En fait, c'est comparable à l'éducation musicale ; comme base, vous apprenez également à contrôler vos doigts avant d'être autorisé à interpréter. Dans les arts visuels, il est moins perceptible pour un public moins préparé.

​

Repin représentait l'art emblématique où nous  devrait s'efforcer d'obtenir. Le but était que nous apprenions tous à dessiner comme lui. L'art devait donc non seulement refléter les circonstances sociales, mais aussi remplir une mission sociale.

​

Les gens regardent un Mondrian et disent : « Je peux faire ça aussi ». Ils ne regardent alors qu'une surface et ne font aucune distinction de qualité entre deux peintures abstraites. Je le vois tout de suite, mais c'est aussi une question d'éducation et d'expérience. Je remarque immédiatement si un artiste est professionnel ou non professionnel. J'ai suivi une formation artistique pendant douze ans et c'est bien sûr très long. Si vous avez étudié les arts, la littérature, le théâtre ou la musique en Russie, c'étaient des cours idéologiques. Repin représentait l'art emblématique où nous  devrait s'efforcer d'obtenir. Le but était que nous apprenions tous à dessiner comme lui. L'art devait donc non seulement refléter les circonstances sociales, mais aussi remplir une mission sociale. Cela ne devrait pas seulement apporter du plaisir, mais aussi servir un certain objectif. J'ai pensé que c'était terrible, mais je ne pouvais pas l'éviter, car tout votre avenir en dépend. Si vous ne l'avez pas fait, vous n'avez pas obtenu de diplôme et vous n'avez rien obtenu.

​

« Certaines personnes ont essayé de faire de l'art non figuratif et ça a été une vraie révélation pour moi. Puis j'ai pensé : "Wow, c'est possible aussi !"

​

Il fallait apprendre de ces choses folles que personne ne pouvait comprendre. Mais vous n'aviez pas le choix. Il n'y avait pas de marché, donc faire de l'art et le vendre était impossible. Mais même si vous terminiez la formation, vous pouviez à peine vivre des devoirs. Vous avez reçu vos affectations du bureau d'affectation central. Il a distribué l'art qui devait être fait pour les institutions existantes et les entreprises publiques, qui devaient consacrer un certain pourcentage de leur budget à l'art. Selon les entreprises, ils commandent alors un tableau de genre représentant un cuisinier, un plombier ou des ouvriers et des usines. Au début, vous êtes un artiste indépendant, vous n'avez obtenu un emploi permanent qu'au bout de vingt ans. Ensuite, avec une telle mission, vous deviez d'abord apparaître avec un croquis, puis avec un demi-travail et enfin avec le résultat final. C'était très mauvais ! Tu ne pouvais rien faire, mais tu devais quand même vivre.

​

Par chance, je me suis vite retrouvé à Cheluskinskaya, une maison où les graphistes pouvaient se rencontrer et où l'on pouvait vivre et travailler pendant deux mois. J'y suis allé quatre fois au total et j'ai rencontré des gens de toute l'Union soviétique faisant des choses différentes. Souvent des gens avec beaucoup d'expérience. J'ai appris plus pendant ces huit mois que pendant les douze années à l'école et à l'académie. Certains artistes ont essayé de faire de l'art non figuratif et ça a été une vraie révélation pour moi. Puis j'ai pensé : « Wow, c'est possible ! Les deux premières années après l'obtention de mon diplôme, je ne pouvais plus rien faire et j'étais complètement bloqué. Et je n'étais pas le seul dans ce cas. La plupart de mes camarades ne font même plus rien avec eux  éducation artistique. On leur a donné la possibilité de faire autre chose, beaucoup d'hommes se sont lancés dans les affaires et certaines femmes ont eu des enfants et disent qu'elles n'ont plus le temps.  

​

« Il n'y a pas de division entre l'art figuratif et non figuratif. Il n'y a que du bon et du mauvais art avec beaucoup de gris entre les deux. Et en fait, vous ne pouvez pas dire "bon et pas bon", car c'est une question de goût. Tout ce que je peux dire, c'est : « Je trouve cela fascinant ou non, professionnel ou non professionnel ».  

​

Parfois je sais ce que je veux, mais la plupart du temps je ne le sais pas. Je pense que c'est parce que je suis une femme. Cela ne semble pas très féministe, mais je pense que la concentration est plus difficile pour les femmes que pour les hommes. Alors pour tenir une idée du début à la fin, je ne peux pas et ça me va. Je dois écouter plus comment les choses se passent que ce que je veux. L'œuvre d'art a une vie propre. Je dois venir avec l'œuvre d'art quelque part et je ne peux pas le forcer. C'est très subtil et très personnel. Je ne pense pas que ce soit la recette pour faire de l'art. C'est différent pour chacun. Je ne sais jamais ce qui se passera demain. Je peux changer complètement demain et je sais aussi que je ne peux rien apprendre. Je recommence chaque matin, comme si je ne savais rien du tout. Je ne peux qu'apprendre à être patient et à arrêter de travailler trop longtemps.  

Jusqu'à il y a six ans, je peignais huit à dix tableaux par mois. Aujourd'hui, je me contente de quatre par mois. J'ai une théorie selon laquelle l'art visuel est un art de l'espace qui prend très peu de temps à expérimenter par rapport à la musique et au théâtre. Mais plus vous regardez, plus vous avez besoin de temps pour déchiffrer les choses. Pendant tout ce temps en dessous, toutes ces couches en dessous continuent également de fonctionner alors qu'en fait celle-ci  sont devenus invisibles à cause des couches qui s'y trouvent. La profondeur me manque toujours dans un tableau qui est peint en une seule couche ou qui a été conçu de cette façon.  

​

Vous pouvez sentir ce temps et le travail qui y a été consacré lorsque vous voyez le travail. On le voit très fortement chez Georges Rouault. Il n'a pas fait grand-chose, mais ce qu'il a fait vous montre non seulement le temps qu'il y a mis, mais aussi les différents moments qui appartiennent à un tableau : les contrastes, les couleurs douces et fortes, les formes et les tons. Ses images peuvent être représentées en noir et blanc, mais continuent de transmettre une forte concentration d'expérience visuelle. Cela fonctionne comme un aimant sur moi. Quand je tombe sur son travail au musée, je suis attiré par lui et je dois le voir. Tout est figuratif, mais aussi très abstrait. Il a continué à travailler de manière très académique à une époque où il venait juste de dire au revoir. Il travaillait sur sa propre idée. Le processus était plus important pour lui que le travail final. Et ça vaut pour moi aussi.  

Je remarque que lorsque je visite une exposition, j'ai l'idée que très peu d'artistes apprécient encore la peinture elle-même, le processus de création. On a souvent l'impression que les peintres font très vite, pour se débarrasser de la peinture. Les maîtres anciens sont donc toujours ma plus grande source d'inspiration, en particulier Vermeer. Il peint idéalement. Vous ne pouvez rien y ajouter ni en soustraire. C'est tellement plein, tellement complet. Sa composition était idéale, la lumière était idéale, le rapport entre la quantité de peinture et la lumière.

​

Je me souviens maintenant qu'au musée Pouchkine de Moscou, le tableau "Haman et Assuérus invités avec Ester"  par Rembrandt. Un petit tableau; très mystérieux et presque abstrait. Vous n'avez pas à vous poser de questions, car de toute façon, vous ne pourrez pas y répondre. Ce n'est pas comme Repin où il n'y a pas de mystère et où tout est comme une bande dessinée. Chez Rembrandt, elle est à la fois idéale et inaccessible. Ce qui est très important pour moi, c'est qu'on y voit aussi très peu l'artiste. L'artiste n'est pas identifiable. C'est de l'art complètement abstrait. Vermeer et Rembrandt, mais aussi Francis Bacon, par exemple.  

"Chacun vit le monde subjectivement et chacun pense que ce qu'il voit et vit est objectif, mais bien sûr ce n'est pas du tout le cas. Avec sa subjectivité, l'artiste peut dépeindre une réalité qui devient objectivable pour le spectateur.

​

Tout le monde vit le monde subjectivement et chacun pense que ce qu'il voit et vit est objectif, mais bien sûr ce n'est pas du tout le cas. Avec sa subjectivité, l'artiste peut dépeindre une réalité qui devient objectivable pour le spectateur. Personne ne niera que le monde de Bacon est très subjectif, pourtant il est très réel, très réel. L'artiste a été là, mais n'est pas un participant. L'artiste ne participe pas à tous les tracas, mais se contente d'observer. C'est aussi le cas des autoportraits de Rembrandt. Il n'est là qu'en spectateur. Tout existe déjà dans le monde. En tant qu'artiste, vous n'avez rien à ajouter à cela. Il suffit de le décrypter en tant que peintre, en tant que compositeur ou en tant que scientifique. Il suffit d'être des yeux et de ne plus penser à rien. Ce n'est pas inventé, pas inventé, mais réel. Ce qui est nouveau, c'est que vous pouvez en faire l'expérience d'une infinité de façons. Vous montrez aux gens que quelque chose existe, mais qui n'a pas encore été écrit ou représenté. Le public le reconnaît et le sait. Si c'est un bon peintre, comme Marlène Dumas, alors après l'exposition vous verrez tout et tout le monde comme peint par elle. Vous reconnaissez quelque chose qui existe déjà ! C'est comparable à l'expérience des gens qui ont vu la toile impressionniste sur laquelle Monet a représenté le matin dans des couleurs étranges. C'était étrange au début, mais quand les gens ont regardé dehors, ils ont vu que c'était vraiment le cas ! C'est ce que fait l'art, il élargit l'expérience de la vie et vous rend plus riche.

​

Koos de Wilt, 12 septembre 2002

​