Fotografiekenner Willem van Zoetendaal over fotografie
‘Kunst kun je maken met gras, zand en zelfs van stront’
Willem van Zoetendaal est en train de réaliser une exposition du photographe Arno Nollen. Sur le sol de la galerie du Keizersgracht se trouvent des dizaines de pages A4 avec des images de photos de portraits et de filles à moitié habillées en attente d'une mise en page définitive. Au mur, des photos aux allures de peinture abstraite, des portraits grandeur nature et un nu joufflu. Une grande partie du temps, le galeriste est introuvable dans la galerie. Il est alors en conversation avec un photographe, lors de salons, d'expositions, chez les fournisseurs de foils, d'aluminium ou de cadres ou chez un imprimeur pour réaliser un livre photo.
L'ancien professeur de Rietveld ne se sent donc pas vraiment commerçant : « Je suis beaucoup plus impliqué dans l'élaboration de ce que ça va devenir. Je veux mettre la photographie au monde et c'est ainsi qu'elle doit être vendue. A travers des publications, des salons et des expositions à l'étranger je travaille constamment à faire venir des artistes. Par exemple, je fais actuellement une exposition sur la photographie néerlandaise à la Maison Européenne à Paris. C'est important pour la photographie néerlandaise et important pour ceux qui y participent. Les artistes et les marchands doivent vendre leur travail, mais le galeriste n'est pas vraiment satisfait du monde de l'art : « Je pense que le monde de l'art est un monde difficile et désagréable. Un monde de formation, de non-paiement et de non-respect des accords. Vous devez toujours être très prudent. Les artistes sont extrêmement dépendants des galeristes et cela conduit parfois à des proportions biaisées. Je pense qu'il est important que le photographe reçoive cinquante pour cent plus les coûts de production. Mais il y a beaucoup de galeries qui pensent très différemment à ce sujet.' Van Zoetendaal a également ses réserves côté client : « Je prends même en compte à qui je vends quelque chose. Si je n'aime pas quelqu'un, je démissionne. C'est aussi parce que je pense qu'il ne faut pas pouvoir tout acheter avec de l'argent. Les clients de la galerie sont les banques, les ministères et les hôpitaux d'une part, et les particuliers d'autre part : des jeunes qui voient la photographie comme le nouveau médium dans lequel ils veulent s'initier et des collectionneurs qui collectionnent depuis longtemps ou intègrent spécifiquement la photographie dans un large collection. La façon dont les clients composent leurs collections est très différente, selon Van Zoetendaal : « Vous avez toujours des clients qui n'achètent que par leur nom, mais si tout se passe bien, le client va d'abord jeter un coup d'œil et explorer la région. Il décide alors de lui-même ce qu'il aime et ce qu'il n'aime pas. Il faut beaucoup chercher, beaucoup comparer et ensuite suivre son chemin à partir de sa propre intuition. On n'acquiert des connaissances qu'en voyant beaucoup. C'est pourquoi les livres sont très importants, car tout le monde n'a pas le temps de passer beaucoup de temps dans les galeries.
"Si vous allez dans un nouveau pays et que vous allez également le photographier, c'est en fait en contradiction avec votre expérience. Tu devrais vraiment poser ton appareil photo,'
« Le monde de l'art est illimité dans ses médias », explique van Zoetendaal. « Vous pouvez faire des choses avec de l'herbe, du sable et même de la merde. La photographie est aussi un moyen de raconter votre histoire en tant qu'artiste. Ce moyen a été inventé il y a 160 ans et au début considéré principalement comme un moyen d'enregistrement, comme un miroir de la soi-disant réalité. Mais nous en sommes venus à voir de plus en plus que le mot « réalité » est tout aussi relatif en photographie que dans d'autres médias. La photographie au XIXe siècle est autant un leurre qu'un tableau. Les premières photographies étaient à longue exposition, l'eau ressemblait à du yaourt sur ces vieilles photos et vous ne pouviez pas voir les gens bouger pendant qu'ils marchaient. Breitner a pris des photographies à la fin du XIXe siècle comme source d'inspiration pour sa peinture ou pour manipuler au maximum les choses dans ses peintures. Mais la photographie signifiait plus pour lui. Peu de gens savent qu'il a aussi beaucoup photographié en se promenant dans la ville. Pour un oncle, qui était entrepreneur, il a photographié des bâtiments en démolition et il a photographié des femmes non seulement parce qu'il voulait les utiliser comme modèles, mais aussi parce qu'il était vraiment excité de temps en temps. Ce qui est spécial à la fois dans la photographie et dans les peintures de Breitner, c'est que vous reconnaissez immédiatement son écriture dans tout ce travail. Le contre-jour qu'il a capturé avec son appareil photo au début d'Amsterdam et de Rotterdam se reflète également dans ses toiles et le rend unique. Il n'a pu découvrir ces effets qu'à travers la photographie. Vous trouverez également les instantanés de sa photographie dans ses peintures, donc les images coupées et les personnes qui entrent et sortent de l'image. Il n'est tout simplement jamais sorti pour sa photographie, car ce n'était pas fait à l'époque. Il en a même été réprimandé et il avait honte que vous peigniez d'après la soi-disant réalité de la photographie. Mais il s'est avéré très important en tant que photographe. On le voit quand on compare sa photographie de nu avec celle d'artistes contemporains comme Gérard Fieret.'
"Nous nous rendons compte de plus en plus que le mot 'réalité' en photographie est tout aussi relatif que dans d'autres médias"
Van Zoetendaal a enseigné au Rietveld pendant dix ans et a créé tout le département. De ce fait, il connaît de nombreux photographes et entre automatiquement en contact avec des talents. « En fait, j'essaie autant que possible d'empêcher les gens de venir montrer leur travail, car j'ai déjà tellement de bêtises dans la tête. Il s'agit souvent de photographie de voyage et il est très rare que cela suscite mon intérêt. Combien de photos ont été prises de l'Inde ? Si vous allez dans un nouveau pays et que vous allez aussi le photographier, c'est en fait en contradiction avec votre expérience. Vous devriez en fait poser votre appareil photo, car vous ne pouvez pas capturer immédiatement l'étonnement et l'étonnement. Vous ne pouvez pas développer une méthodologie sur la route lorsque vous voyagez. Vous n'y arrivez pas. Les photographies qui en résultent aussi se ressemblent toutes. Je crois en la photographie de personnes qui photographient le monde en voyageant. C'est autre chose. Ed van der Elsken a également photographié à l'étranger. Son travail expose toujours les choses d'une manière plaisante, brute qui frise un certain humour et aussi une certaine crudité de la vie. Cela se voit dans tout son travail, qu'il ait été photographié lors d'un voyage au Japon ou chez lui dans sa ferme en Hollande du Nord. Van Zoetendaal dit qu'il peut voir en une seconde si le travail est de qualité. "Cela peut sembler un peu blasé, mais c'est probablement parce que j'en ai vu beaucoup maintenant." Qu'est-ce qui fait d'une photo une œuvre d'art ? Selon le galeriste, photos de presse et photos d'art ne sont pas comparables : « Elles ont été faites dans un but différent. Le but des photos de presse est de représenter un événement ou une actualité le plus fidèlement possible dans les plus brefs délais. C'est aussi incroyablement trompeur. On pense souvent que c'est assez proche de la réalité et de l'objectivité, mais ce n'est absolument pas vrai. Si quelqu'un doit se rendre au Rwanda pour que le journal capte des images pleines de misère pour l'édition dans deux semaines, il y a là quelque chose d'absurde. Vous regardez d'autres critères pour évaluer les photos d'art. Un critère est l'originalité, mais cela ne veut pas dire que j'ai encore rien dit, car qu'est-ce que c'est de toute façon ? Ce qui me semble original peut être familier à quelqu'un d'autre. Je cherche des choses que je ne connais pas encore ou que je connais, mais si bien faites que ça devient aussi excitant. Avant, j'avais tendance à choisir beaucoup plus esthétiquement, plus romantiquement que je ne le fais maintenant. Mais cela peut aussi changer à nouveau. Quand je suis au Japon depuis quelques semaines, je peux me lasser de l'esthétique ou m'en inspirer à nouveau. Ne serait-ce qu'à cause de la beauté dans laquelle la nourriture est servie.
"Je cherche des choses que je ne connais pas encore ou que je connais, mais si bien faites que ça devient aussi excitant"
La photographie s'est émancipée et a conquis une place permanente dans l'art. Non seulement la photographie prend une place de plus en plus importante dans les foires d'art contemporain, mais dans les ventes aux enchères des tonnes de photos sont payées par des photographes tels que Gustave Le Gray, JP Girault de Prangey, Man Ray, Edward Weston, Cindy Sherman, Helmut Newton, Diane Arbus, Andreas Gursky, Thomas Ruff et Thomas Struth. "Ce que vous voyez beaucoup maintenant, ce sont des publications d'artistes conceptuels des années 1970 en Amérique. Par exemple, l'école de Los Angeles jusqu'à un peu plus tard, de Richard Prince. On les redécouvre maintenant, parce que cette photographie a quelque chose à voir avec ce qui se passe maintenant.' Selon Van Zoetendaal, la photographie moderne a commencé avec le travail de Bernd et Hilla Becher, qui ont photographié des bâtiments industriels d'une manière distante, purement enregistrante, sans aucune écriture personnelle ni interprétation artistique. « Au début, je pensais que l'art était un peu exsangue et ennuyeux, mais cela devient intéressant à cause de la quantité de séries, à cause du côté conceptuel.
Si vous voulez vraiment apprendre quelque chose dans l'art, vous devez parfois le regarder un peu plus longtemps et parler aux autres. En regardant beaucoup et en s'ouvrant, on apprend à apprécier cela et on peut aussi mieux comprendre le travail d'Andy Warhol, par exemple. Grâce à ses photos de chaises électriques ou aux photos d'identité, j'ai mieux compris les sérigraphies ultérieures. Même en connaisseur, le galeriste dit qu'il pense constamment qu'on comprend quelque chose tellement c'est reconnaissable. "Cela a peut-être à voir avec le fait que le mensonge de la photographie est si proche de la vérité. Si vous êtes vous-même sur une photo, vous regarderez la photo différemment. Alors vous pensez: "Chérie, j'ai l'air grosse". Et puis vous oubliez de regarder ce qui est une photographie. C'est la complexité de la photographie. Peu importe à quel point la photo est abstraite, vous êtes toujours à la recherche de choses que vous reconnaissez. Vous pouvez également regarder la peinture d'une atmosphère différente ou de la couleur. En photographie, il faut réapprendre cela. C'est une évolution de la photographie qui est en train de se produire et que je trouve très excitante. Cette photographie n'est plus du tout reconnaissable en tant que photographie. Selon Van Zoetendaal, les développements de la peinture se produisent également dans la photographie. D'un côté il y a des photographies figuratives de la soi-disant réalité et de l'autre il y a des artistes qui manipulent avec des moyens numériques. Il y a des différences entre la photographie et la peinture. Van Zoetendaal : « Avec les peintures, vous pouvez laisser de côté des choses, avec la photographie, vous devez effectuer une action complètement différente et généralement vous mettez quelque chose sur le négatif que vous n'avez pas vu lorsque vous l'avez photographié. Et c'est ce qui rend la photographie si surprenante et si belle. La prise sur le mur complète le tableau.
Après la photographie sobre des Becher sont venus des étudiants moins stricts comme Thomas Struth, Thomas Ruff et Andreas Gursky. Struth montre principalement des paysages urbains, des plans objectifs de rues, d'immeubles et de places de villes d'Europe, du Japon et des États-Unis. Les photos montrent la réalité familière et secondaire que d'autres négligent. Vous ressentez à la fois la proximité et la distance. Van Zoetendaal : « La particularité des images de Struth, c'est que s'il photographie l'intérieur du Panthéon, par exemple, on voit immédiatement dans la composition et la technique qu'il s'agit d'un Struth. Cela commence par son utilisation du négatif grand écran et son incroyable perspective du XIXe siècle, une perspective avec laquelle Saenredam a commencé au XVIIe siècle. Quand Struth photographie des gens dans un musée, vous voyez des gens regarder de l'art, vous devenez spectateur de spectateurs. La taille de la pièce vous donne également le sentiment que vous faites vous-même partie de l'image. Cette école allemande est également représentée par le travail d'Andreas Gursky qui photographie des paysages, des intérieurs de bureaux et des foules de personnes et Thomas Ruff qui est surtout connu pour ses salons vides et ses portraits en solo extrêmement précis, qu'il imprime plus grands que nature.
Dans notre pays, nous avons des photographes portraitistes de renommée internationale tels que Rineke Dijkstra, Inez van Lamsweerde, Teun Hocks et Anton Corbijn qui ont ouvert la voie à une nouvelle génération de portraitistes. Van Zoetendaal pense que la photographie de portrait est quelque chose de typiquement hollandais, quelque chose que nous connaissions déjà bien au XVIIe siècle. « Vous pouvez immédiatement voir les similitudes si vous placez un portrait d'une jeune femme par les peintres flamands Rogier van der Weyden à côté de portraits de jeunes filles islamiques en hijab par Céline van Balen. Comme le feraient les maîtres anciens hollandais et flamands, Céline a capturé les filles telles qu'elles sont, sans fioritures ni poses imposées. La pénétrance avec laquelle ces filles vous regardent rend l'œuvre incroyablement forte. Vous en êtes hypnotisé, vous ne pouvez plus l'éviter. Ceci est renforcé par le cadre noir qui l'entoure. La référence à la peinture italienne a aussi un effet fort : ce sont des madones de notre temps. Ils auraient pu être photographiés en Palestine deux mille ans plus tôt. Selon Van Zoetendaal, le fait que les portraitistes néerlandais soient si populaires à l'échelle internationale est également lié à notre ouverture d'esprit, à l'intérêt pour l'autre. « Nos portraits sont très directs. Si vous montrez des portraits hollandais de gens qui se regardent au Japon, ils vont mourir de peur. Personne ne regarde ça, c'est impoli. Nous aimons regarder quelqu'un pendant longtemps sans que cette personne ne dise quoi que ce soit en retour. C'est cette fascination pour nos semblables qui fascine aussi les autres.
Comment reconnaissez-vous la différence de signature chez les photographes portraitistes ? Pour expliquer cela, Van Zoetendaal fait une comparaison entre Rineke Dijkstra et Céline van Balen : « Céline défend les couches les plus basses de la société, tandis que Rineke est à la recherche de son éternelle jeunesse. La façon de photographier les adolescentes sur la plage date de 140 ans. Elle utilise un grand écran et les modèles doivent rester immobiles pendant longtemps, comme au 19e siècle. C'est de la photographie d'étude, mais en extérieur. Elle fait une combinaison de lumière artificielle et de lumière du jour, donc tout est très beau à la lumière. L'horizon d'un côté et la silhouette perpendiculaire à celui-ci sont très intrigants. Elle peut transformer la fascination de Rineke pour les adolescents en image. Vous voyez une ouverture complète dans les modèles où vous sentez qu'elle apporte sa propre âme au modèle. Je ne peux pas m'empêcher de pleurer à quel point c'est beau. On voit la fragilité de quelqu'un qui a seize ou dix-sept ans dans l'attitude qui n'occulte rien.
Quand un photographe est-il réellement établi ? Selon Van Zoetendaal, c'est le cas s'il pense qu'il est là, mais le fait que le marché le reconnaisse ainsi dépend également d'autres facteurs. Par exemple, que vous ayez eu un solo à quelques reprises dans un musée, les musées provinciaux sont également autorisés à le faire. Il doit y avoir une certaine régularité dans les présentations. Il s'agit de construire un certain public. La valeur d'une photo dépend avant tout de la qualité de l'artiste et de la qualité du matériau, comme l'enseigne Van Zoetendaal : « Et bien sûr, l'œuvre doit aussi être signée. Vous pouvez également acheter une carte postale de l'œuvre, mais la signature vous donne le meilleur du photographe et du matériel. L'impression est un travail très intensif. Le travail de production peut parfois absorber complètement les photographes. Après tout, vous dépendez des laboratoires et il n'y a pas de Hema au coin de la rue. Rineke Dijkstra doit ensuite faire la queue à Düsseldorf avec d'autres tops tels que Struth et Gursky. Selon Van Zoetendaal, il n'y a pas de loi sur le montant qui doit être signé : « Vous décidez cela avec l'artiste. Parfois seulement six ou dix, mais certains artistes disent : « C'est de la photographie après tout, je veux en mettre vingt au monde, six grands et quatorze petits ». D'autres n'en mettent que trois au monde. Et le prix d'une photo ? Quand je travaille pour des artistes, je dis toujours "pour tant et pas moins". Les photos que je vends commencent à environ sept à huit cents euros et se terminent à vingt mille euros. Les filles musulmanes Van Céline van Balen coûtent neuf mille chacune. Mais ils vont si vite, peut-être qu'ils devraient aller jusqu'à douze.