Vous pouvez reconnaître un vrai Helmantel de loin. Ce sont toujours des intérieurs d'églises et surtout des natures mortes avec des objets souvent anciens qui sont agencés et peints de manière raffinée, précisément de manière à créer une sorte de magie. Helmantel est un homme de foi et il semble vouloir prouver à travers ses peintures qu'il y a plus entre le désordre et le chaos de la réalité. Pour cette seule raison, il semble déjà apparenté aux maîtres hollandais du XVIIe siècle qui voulaient que leurs paysages et natures mortes fonctionnent comme une sorte de seconde bible. Helmantel semble vouloir nettoyer le monde du hasard et de l'arbitraire. Ses compositions semblent si quotidiennes et en même temps si spirituelles qu'on est frappé par la merveille qui reste toujours simple, claire et harmonieuse. Mais le croyons-nous encore à notre époque ? Comme toute religiosité, cela produit des croyants et des non-croyants. Chez Loek Brons, les fidèles paient parfois facilement plus de cent mille euros pour un vrai Helmantel et les non-croyants sont parfois même agacés par l'ambiance et lui reprochent surtout son anachronisme. On reproche à Helmantel de ne pas jouer le jeu équitable si, avec toutes les connaissances photographiques et avec les techniques et matériaux d'aujourd'hui, il essaie de battre ses concurrents du XVIIe siècle qui n'avaient pas encore tout cela. D'un autre côté, le fait que le métier qu'il pratique si intensément ne puisse être appris nulle part dans les académies joue contre Helmantel. Qu'est-ce qui séduit tant de monde dans l'œuvre de ce natif de Groningue ? Helmantel semble avoir traduit tout ce que les maîtres du XVIIe siècle ont appris et tout ce que la photographie a apporté pour éclairer son travail. Ce résumé est attrayant. Mais c'est peut-être aussi le désir de paix, de simplicité et d'harmonie qui n'existe plus et peut-être n'a jamais existé. Ou est-ce? Peut-être dans la lointaine Groningue ? Dans tous les cas, la ville de Groningue de Westeremden fait tout son possible pour ne pas participer au monde trépidant qui semble changer de minute en minute. Avec une escale à l'Académie Minerve, Helmantel y a vécu et travaillé toute sa vie et a pour décor quotidien les paysages agricoles sans fin, le silence de 24 heures, la verdure éternelle et les maisons rouges pittoresques. Bien sûr, les agriculteurs utilisent les dernières innovations en matière de technologie agricole, mais le commerce séculaire reste le même. Tout comme Helmantel exerce un métier séculaire et utilise les meilleurs tissus que la technologie moderne a à offrir. Il préfère peindre sur la masonite résistante à l'eau et aux vers à bois, la prépare avec un apprêt alkyde ordinaire, travaille avec une bonne peinture à l'huile d'usine. Contrairement à de nombreux tableaux du XIXe siècle, ses toiles resteront donc en parfait état.

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'Mon Dieu, quelle belle lumière tu as. Tout ce que vous avez à faire est de le peindre.

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Repos et composition

Avec Helmantel, la tentation est grande de le comparer non pas tant à ses confrères artistes contemporains, mais plutôt à des peintres du XVIIe siècle comme Vermeer, Saenredam, Dou et Van Mieris et aussi à des peintres plus modernes comme Ket, Willink, Koch. ou Mankes. Helmantel sera le dernier à le nier et se montre un grand admirateur des maîtres hollandais. Il ressent une affinité particulière avec Vermeer : « Le concept est ce qui rend l'œuvre de Vermeer si spéciale. Cela me frappe à chaque fois que je regarde sa période médiane, sa période la plus forte, avec les temps forts La Buveuse avec un Gentleman, La Laitière, La Rue, La Femme lisant une lettre en bleu, La Jeune fille à la perle et surtout La Femme à la carafe d'eau, qui dans le Metropolitan à New York. La Dentelleuse est plus tardive, mais je pense aussi qu'elle est magistrale. Ik ben drie jaar geleden in het Louvre geweest, toen al met de nieuwe opstelling van de Hollanders, en toen dacht ik: hoe is het toch mogelijk dat die postzegel van Vermeer de gehele zaal beheerst, ook al hingen er genoeg andere prachtige dingen in de salle. Dans le concept, la répartition des couleurs et l'ambiance, aussi petite soit-elle, c'est : boum ! Ce sont exactement les trois choses qui déterminent que l'image que Vermeer évoque est si agréable à regarder. Helmantel ressemble beaucoup, mais n'a pas non plus honte de regarder beaucoup les anciens maîtres, car ils se regardaient aussi principalement et constamment. Quelles sont ces autres sources d'inspiration pour Helmantel ? Dans ses intérieurs d'église, Helmantel dit qu'il ressent la même expérience que Seanredam avait au XVIIe siècle et qui est née séparément de Seanredam dans l'église rénovée de Loppersum. Il loue Dick Ket pour son expression matérielle et JH Weissenbruch pour nous avoir appris à regarder les nuages d'une manière différente. Il mentionne également Morandi : « Vous pouvez le voir, mais plus que cela, c'est un secret. La simplicité, la logique dans cette simplicité, le subtil, le raffiné. Ce qui n'est presque rien, évoque tout. Malgré l'orientation vers les maîtres anciens, Helmantel dit qu'il est important d'être un enfant de cette époque : « Mondriaan a amené l'art abstrait à une sorte de point final, ce qui vous fait réfléchir : que devez-vous faire après ? Mais il a réfléchi très attentivement à la composition et à ce que les couleurs font les unes aux autres lorsque vous la rendez complètement abstraite. Et ces réalisations – et ce ne sont pas seulement celles de Mondrian – ont amené quelque chose dans ma réflexion sur un tableau que je n'aurais pas aimé manquer. La photographie prend de plus en plus le pas sur le pinceau dans les foires d'art contemporain, mais Helmantel s'en moque. Il ne considère pas facilement la photographie comme faisant partie du grand art : « Je prends la photographie au sérieux, mais il ne faut pas comparer des pommes avec des oranges. Je pense que les photographes veulent généralement trop jouer les artistes. Dans de nombreux cas, je pense : vous avez fait une photo fantastique, mais est-ce si spécial, parce que l'appareil l'a réellement fait. Je vois peu de photos dont je suis en permanence très impressionné. Je ne reviens pas là-dessus.

"Ce que je retiens de Vermeer, c'est avant tout l'harmonie, la paix et l'équilibre, qui donne le sentiment de 'c'est comme ça que ça doit être', sachant que ça peut aussi se faire complètement différemment."

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Zones de couleur

Contrairement à ce que l'on dirait à première vue, Helmantel ne se reconnaît pas dans la désignation de fin peintre. "Tout comme Vermeer", dit Helmantel : "il n'a pas tant peint les éléments avec précision, mais plutôt combiné avec sensibilité une tache de lumière, une surface de couleur, toutes les parties qui sont liées les unes aux autres et qui forment finalement une figure. Chez Vermeer, tous les détails restent subordonnés à la grande forme. Une main lisant une lettre n'est pas non plus une somme soigneusement élaborée de clous, de rides et autres comme chez Dou, Van Mieris ou Ter Borch, mais chez Vermeer ce sont des surfaces dans une certaine direction qui évoquent la crédibilité d'une main. Vous voyez la même chose dans De Staalmeesters de Rembrandt. Là aussi un concept solide avec un rythme du cunnilingus blanc contre le noir et rouge de la moquette et l'architecture derrière qui ne s'impose pas, mais qui est quand même là. C'est le sommet absolu du monde. Malgré son admiration pour Rembrandt, l'œuvre d'Helmantel est plus proche de Vermeer en termes de mentalité : « Cela a aussi à voir avec le traitement de la lumière. Vermeer a une lumière un peu plus froide et moins dramatique. Chez Rembrandt, la scène est souvent quelque peu théâtrale et pleine de drame. Cela ne convient pas à ma nature. Avec Rembrandt, vous voyez un faisceau de lumière à un endroit précis. Chez Vermeer c'est plus étalé, mais toujours concentré. Cette concentration a autant à voir avec la couleur qu'avec la lumière. Par exemple, la capuche blanche est l'accroche-regard de la femme à la cruche d'eau du Metropolitan. La lumière y est concentrée, mais l'ombre y est aussi blanche. Juste au bon moment, dans la bonne partie du tableau ! Helmantel apprend en regardant beaucoup, en regardant sans cesse, mais aussi en apprenant beaucoup des trouvailles des maîtres anciens : "Ce que je retiens de Vermeer dans mes peintures, c'est avant tout l'harmonie, la paix et l'équilibre que l'on ressent 'c'est comme ça que ça doit être', sachant que ça peut aussi se faire différemment. La douceur des contours est également un point très important pour Vermeer. La vibration des transitions. La transition entre le mur du fond et le bleu de la Femme lisant une lettre en bleu est si belle. Mais je suis qui je suis et je trouve toujours important que vous développiez ces pouvoirs qui vivent en vous, qui indiquent également les possibilités de réaliser quelque chose. Dans mon cas, ce sont les natures mortes et les intérieurs. En fait, j'aimerais pouvoir avoir autant d'emprise sur le paysage. J'avais l'habitude de peindre beaucoup de paysages dans un style impressionniste léger, mais quand j'ai fait un paysage, j'ai toujours le sentiment que c'est bien, mais que ce n'est pas au niveau des natures mortes ou des intérieurs.

« Soudain, j'ai vu que c'était une excuse pour Monet pour visualiser le mouvement du temps. J'ai vu ce qu'il faisait parmi toutes ces feuilles.

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Lampe d'Helmantel

Henk Helmantel est en pleine rénovation. Il vit dans une reconstruction complète d'une ferme du XVIe siècle. Tout comme sur ses toiles, tout est agencé dans les moindres détails et rendu intemporel : à l'intérieur de la partie maison se trouvent les pièces où se mêlent statues médiévales et objets du XVIIe siècle et à l'extérieur le jardin romantique, la vue sur l'église et les colonnes funéraires au dessous de. Dans les couloirs de l'ancienne grange, les plus belles de ses toiles sont accrochées entre vieilles bibliothèques, vieilles portes et niches mystérieuses. Et après la rénovation, les fenêtres en grès comme elles en avaient au XVIIe siècle. Tout ce que vous voyez est recouvert de la lumière emblématique d'Helmantel. Lorsque son collègue peintre Diederik Kraaijpoel a visité l'atelier d'Helmantel, il a dit : « Mon Dieu, quelle belle lumière vous avez. Tout ce que vous avez à faire est de le peindre. Et c'est vrai, près de la fenêtre se trouve une nature morte de cruches, de pots, d'ail et qui ressemble exactement à un vrai Helmantel et qui n'a qu'à être mise sur la toile. "Je peux évoquer des choses dans cet endroit qui ont tout pour servir ce que je veux. Et cela n'arrive pas avec beaucoup d'œuvres d'art et de vol, mais c'est juste à cet endroit. J'accentue certaines choses et repousse un peu d'autres choses pour qu'il y ait juste un peu plus de concentration sur certains endroits de la composition, de sorte que votre œil recherche automatiquement un certain endroit dans la peinture où vous voulez réellement commencer à regarder .' Le cérébral dans l'art, l'idée intellectuelle qui en est venue à prédominer dans l'art d'avant-garde, n'est pas quelque chose qui préoccupe Helmantel. Helmantel ne peint pas des objets, mais plutôt ce que font ces objets, notamment les uns par rapport aux autres. « Je suis certes sensible aux choses d'autres temps, aux objets qui ont vécu quelque chose, mais c'est surtout le rythme et les couleurs les unes par rapport aux autres qui me fascinent. C'est plus d'un point de vue abstrait en combinaison avec la couleur et la forme que je trouve la bouteille ou le vase si spécial. Je travaille maintenant sur une nature morte où vous voyez un bouquet d'ail que j'ai acheté au marché et il y a une bande de plastique autour des brindilles. Cela n'a rien d'ancien, mais c'est ce rouge qu'il faut travailler en combinaison avec le blanc. Et c'est un peu l'écho de la boîte un peu à l'écart. En plus de la lumière dans l'atelier, d'autres choses ressortent également : les verres et vases anciens, les figurines, les meubles anciens, les nombreux tableaux d'autres peintres et les clous et trous encore plus nombreux dans le mur, exactement comme on peut vu dans le mur derrière La Laitière. Helmantel le reconnaît : « Comme Vermeer, je suis attaché à un traitement de peinture riche et à une structure de surface. Le fond peut être très calme, mais il doit rester intéressant. Cela est également nécessaire lorsque vous regardez le mur ou la nappe de De Staalmeesters ou The Jewish Bride de Rembrandt'

La photographie

Vous ne pouvez plus apprendre ce que Helmantel fait à l'académie. « Je trouve que c'est un manque dans la mesure où il me semble que les grands peintres modernes, les modernes classiques, ont tous su faire une très bonne peinture figurative. Et à partir de là, ils pouvaient lâcher prise et aboutir finalement à de la pure peinture abstraite, comme Mondriaan. De nos jours, cela commence par : quel genre d'idées avez-vous. Si vous mettez un point sur une feuille de papier blanche et que vous déclarez que c'est de l'art, qui suis-je, qui sommes-nous pour dire que ce n'est pas de l'art. Mais je dis avant tout : comprenez votre métier et ensuite vous pourrez élaborer une idée. Kraaijspoel arrive à la conclusion que l'art est à l'origine une activité composée d'un certain nombre de composants dont seuls quelques-uns sont capables. Il s'agit de quelque chose que personne d'autre ne peut faire et que vous pouvez. C'est comme ça à travers les âges : c'était une question d'originalité et de savoir-faire. Ils pensent qu'ils ont laissé cela derrière eux. Mais le changement est en marche. Ce que j'aimerais voir, c'est que les gens qui peuvent bien peindre aient aussi de bonnes idées. Il s'agit de la combinaison. Et vous voyez cela avec les vieux maîtres. Je suis allé au Rijksmuseum une centaine de fois et à chaque fois je vais voir la Laitière, les Staalmeesters ou la Vue de Delft au Mauritshuis. Ou aux bonnes œuvres de Chardin au Louvre, aux asperges d'Adriaen Coorte, aux bonnes œuvres de Monet et aux tableaux de Van Gogh de la période arlésienne.