Coïncidence et intention

Enfant, Koen Delaere aimait dessiner. Cependant, il était plus intéressé par la peinture qui restait sur ses mains après avoir peint que par ce qui était sur papier. Il s'intéressait à l'interaction entre la peinture à l'huile et l'aquarelle. L'un s'est avéré sécher plus rapidement que l'autre, a-t-il découvert. "Je ne suis devenu artiste que tardivement", raconte l'artiste aujourd'hui âgé de 46 ans dans son studio temporaire à Los Angeles. « J'ai grandi en Zélande où l'art n'était pas en tête de liste des priorités. C'était les années 1980 et le chômage était élevé. A cette époque je dessinais des affiches pour des groupes et faisais des illustrations publicitaires. Ma copine est allée à l'université et j'ai pensé : c'est une bonne idée pour moi aussi. J'ai d'abord suivi une formation d'enseignant, mais ce n'était pas ça. Finalement, j'ai fini à l'académie d'art. C'est là que ça s'est passé, ça m'est vraiment arrivé. À partir de ce moment, j'ai essayé de reprendre le contrôle. J'ai rapidement obtenu une exposition de groupe à Fons Welters et une bourse De Pont. C'est devenu sérieux. C'est un fil conducteur dans mon travail, un mélange de choses qui m'arrivent et que je provoque. C'est ainsi que mon travail se fait.

« Le travail n'est bon que s'il correspond au point de départ que je me suis fixé au préalable. Je veux m'en approcher le plus possible.  

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En partie, Delaere contrôle littéralement le processus de création avec son pinceau, mais il laisse une autre partie importante au hasard : comment la peinture coule naturellement sur la toile, comment les couleurs et les matériaux se mélangent. En fin de compte, après une série d'événements délibérés et fortuits, c'est à l'artiste de décider si une méthode ou une ligne de conduite cède pour une série d'œuvres. Quatre-vingt pour cent échouent et vingt pour cent réussissent. Comment détermine-t-il si quelque chose a réussi? « Le travail n'est bon que s'il correspond au point de départ que je me suis fixé au préalable. Je veux m'en approcher le plus possible. Pour moi, le conceptuel et le performatif sont très importants, mais maintenant il s'agit aussi de plus en plus de l'œuvre elle-même. La couleur n'a jamais vraiment été importante pour moi. Il s'agissait de la pensée, de l'action, de la manière d'y arriver et non du résultat final. Cela a changé. En pensant à quelque chose comme la couleur, vous remarquez ce qu'elle peut faire. Par exemple, vous pouvez utiliser peu ou beaucoup de pigment, quel effet cela a-t-il sur l'intensité des couleurs ?

"Nos cerveaux sont toujours occupés, même quand nous pensons qu'ils sont éteints. Oliver Sacks a même inversé la tendance : il a écrit que c'est précisément lorsque nous dormons que le cerveau est le plus productif.

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Caractère impressionnant

Delaere travaille actuellement comme artiste en résidence à Los Angeles. A l'invitation d'un collectionneur privé, il travaille temporairement au La  Brea Studios sur une étude pour le Fonds Mondriaan. Avant de commencer à travailler ici, Delaere a voyagé à travers les États-Unis avec sa femme et son fils pendant un mois, visitant des parcs d'État tels que Yosemite et le Grand Canyon. «Nous avons beaucoup marché et marché six heures d'affilée tous les jours pendant des semaines. La nature est écrasante. Il apporte une contribution spontanée, bien que je ne sache pas encore comment cela se traduit dans mon travail à l'époque. Je vais ensuite au studio et le laisse surgir là-bas. En ne faisant rien dans la nature, vous vous ressourcez. Vous rencontrez alors un niveau d'énergie qui vous déclenche. En voyageant, en se mettant dans un contexte différent, on s'ouvre à l'impulsif. Par exemple, vous envisagez de peindre une peinture rouge, mais choisissez du vert et vous continuez quand même. Vous êtes alors dans l'instant, ce n'est pas de l'ivresse, mais une forte concentration.'

"Parce qu'il y a des règles, comme le hors-jeu au football, vous obtenez un match intéressant. Aussi dans l'art.

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Règles et contexte

« Quand j'étais plus jeune, chaque peinture devait être quelque chose de nouveau. Ces jours-ci, je suis à la recherche de séries. Je veux savoir ce qui se passe dans le replay. Ce que je remarque, c'est que quelque chose de beau se produit, de nouveaux centres d'intérêt s'ouvrent. Delaere réalise actuellement 100 œuvres pour Rabobank. « J'ai un cadre formel pour toutes ces peintures, les dessins et le texte viennent en premier et une grille est imprimée dessus. Dans la répétition de la réalisation de ces œuvres, vous vous retrouvez toujours ailleurs. Dans les premiers travaux, vous développez une compétence, puis vous remarquez que vous pouvez le faire. Puis une sorte d'ennui s'installe et puis quelque chose d'autre se produit, quelque chose de spécial. Bruce Nauman parlait de 's'ennuyer en studio' d'où venaient les meilleures choses. Nous ne restons jamais immobiles. Nos cerveaux sont toujours occupés, même lorsque nous pensons qu'ils sont éteints. Oliver Sacks a même inversé la tendance : il a écrit que c'est quand nous dormons que le cerveau est le plus productif. Lorsque nous sommes éveillés, nous sommes constamment dérangés par ce que nous voyons et vivons.

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« La génération actuelle se demande moins si elle doit faire du performatif, de l'abstrait ou du figuratif, tout est mélangé. J'apprends aussi de ça.  

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Delaere aime se fixer des règles. Cela ne le limite-t-il pas ? Delaere : « Je cherche toujours une structure dans le vide de l'atelier, j'ai besoin d'un cadre formel. En raison de cette limitation, j'obtiens de l'espace, j'obtiens la liberté en retour. Sans structure, cela devient évasif, tout est permis. Cela ne s'applique pas seulement à l'art, chacun doit travailler dans des cadres pour arriver à quelque chose. Vous devez toujours composer avec des ressources limitées et un certain contexte dans lequel vous travaillez avec un certain talent. Parce qu'il y a des règles, comme le hors-jeu au football, vous obtenez un match intéressant. Personne ne sait ce qu'est l'art, donc les règles du jeu doivent être reformulées encore et encore. Il faut se recharger, s'entraîner, faire des recherches matérielles, lire et ensuite ça doit arriver. Cela s'applique également aux athlètes de haut niveau : tout doit mener à ce moment où vous faites le tour le plus rapide.

"Finalement, tu devras tout refaire toi-même."

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le social

Avant, il voulait tout essayer. Son travail a été qualifié de peinture extensive, dans laquelle, en plus de la peinture et de la toile, divers moyens sont utilisés tels que les techniques d'impression, les supports numériques, les encres UV ou les résultats de photocopie. Delaere : « Aujourd'hui, je n'ai plus besoin de ça. Je sais maintenant où se situent mes intérêts. Dans mon propre travail, je me concentre sur les peintures et pendant mes cours, je peux essayer d'autres techniques avec mes élèves. L'enseignement est un dialogue continu avec un groupe d'étudiants dans lequel vous continuez à placer le piquet de grève ailleurs. Dans les années 90, je travaillais sur des œuvres abstraites et performatives, c'était la nouvelle génération à l'époque. Des artistes tels que Marc Bijl et Iris van Dongen, par exemple, ont ensuite travaillé de manière figurative romantique. La génération actuelle se demande moins s'il faut faire du performatif, de l'abstrait ou du figuratif, tout est mélangé. J'apprends aussi de ça.

La halle aux viandes

Pour Delaere, il est important de rechercher constamment de nouveaux environnements où l'art est créé. Delaere : « Il y a quelque temps, je travaillais au Vleeshal, où l'aspect social était très important. Il s'agissait de faire quelque chose ensemble. Cela a été libérateur pour moi, mais pour les étudiants, cela vient naturellement. Cela m'a toujours intéressé. L'art a un seuil pour beaucoup de gens, mais si vous laissez les gens participer à sa création, vous supprimez ce seuil. C'est pourquoi j'ai demandé à des amis qui ne sont pas dans le domaine des arts de m'aider à réaliser mon travail avec des sérigraphies. Alors ce n'est pas quelque chose comme un soi-disant génie qui crée quelque chose par lui-même. Au Vleeshal, vous cuisiniez ensemble, vous mangiez ensemble et l'organisation de l'exposition était également un processus commun. Comment travailler, comment vivre était le thème. Il y avait des groupes, il y avait du yoga pendant que nous travaillions. Le conservateur Lorenzo Benedetti a rendu tout cela possible. Récemment, j'ai entendu dire que Jan Schoonhoven travaillait aussi toujours de cette façon. Ensuite, il a reçu du monde et ses invités ont bu quelque chose à table pendant que l'artiste était occupé à faire son travail. Dans le Vleeshal, il y avait finalement dix peintures qui se sont très bien déroulées. C'est un processus intéressant. Camus a écrit une fois une histoire sur Jonah qui ne voulait plus s'enfermer dans un studio, mais voulait plutôt être avec sa famille et a fait entrer le studio chez lui. Mais il s'est enfermé dans son atelier et y est finalement mort. La seule chose que le plus proche parent y a trouvée était une peinture avec un texte sur lequel il n'était pas clair s'il était écrit «solidaire» ou «solitaire». Je suis une famille avec qui j'adore être, et nous avons voyagé à travers l'Amérique pendant un mois, mais à la fin, vous devez tout refaire vous-même. Ils ont leur vie et moi dans mon studio.