Le travail de Levi van Veluw  (1985) est populaire auprès de nombreux collectionneurs, mais il défie également son public avec des étapes toujours nouvelles - avec des installations, des dessins et des sculptures. Une conversation en studio sur la façon dont il détermine son propre parcours, avec et sans le marché.

Interview : Koos de Wilt et photos pour Collect

Le printemps fait son apparition dans les environs boisés du Havengebied à Zaandam, c'est comme si vous étiez loin de la ville. Quelque part, dans l'un des bâtiments de l'ancien site industriel où l'on fabriquait autrefois des armes, se trouve l'atelier de l'artiste de 32 ans Levi van Veluw. Dans le grand espace haut, avec un plafond rond gracieux, des œuvres d'art sont placées partout sur des tables qui sont à divers stades de préparation. Un employé fait du bruit avec une scie électrique lorsqu'il scie des planches pour une œuvre d'art semblable à une police de caractères de la série Monolith. Pendant ce temps, l'ami de Van Veluw, Noah, et son assistant continuent de travailler sans être dérangés sur leur propre travail : concevoir des vitrines pour, entre autres, le Bijenkorf. Levi les parcourt. Il souffre toujours du décalage horaire et d'un rhume de son voyage à New York. Il était le seul Néerlandais à y être représenté avec son travail à la prestigieuse foire d'art contemporain The Armory Show, à la Galerie Ron Mandos.

« J'ai tout de suite obtenu le label de photographe, alors que je ne me sentais pas vraiment comme ça.

Son travail s'est développé à partir de photos de son propre visage - avec des dessins à la plume, des pierres et même des paysages complets - jusqu'à des installations de personnes dans une pièce. Puis il y a eu des dessins en noir et blanc d'espaces et d'installations et de sculptures où l'on ne rencontre plus du tout de personnes. Comment l'artiste décrit-il lui-même ce parcours ? « Mes portraits étaient un travail de fin d'études. J'étais très jeune et sans budget je faisais intuitivement ces photos de ma propre tête, ça ne coûtait rien. Il a été repris peu de temps après et immédiatement présenté comme important. J'avais des doutes là-dessus. Le travail était-il suffisamment développé ? J'ai aussi tout de suite reçu le label de photographe, même si je ne l'ai pas vraiment ressenti. Cela a commencé avec pas plus de six photos, mais c'était un bon point de départ pour développer à partir de là. Bientôt, j'ai voulu me débarrasser de ma tête, mais je ne savais pas encore où aller. J'ai été aidé par d'autres disciplines. Après les photos de mon visage, j'ai d'abord fait des installations dans une sorte de cadre familial avec des gens, un décor reconnaissable, mais aussi avec une ambiance inconfortable. Puis j'ai commencé à faire des installations sans personne dedans, où l'on peut se demander dans quelle mesure on reconnaît encore la personne dedans. Puis j'ai commencé à dessiner avec une feuille blanche devant moi et sur laquelle je devais faire quelque chose à partir de rien, en noir et blanc. Dessiner soi-même serait bizarre alors je me suis retrouvé ailleurs. Dans le dessin il y avait encore un aménagement d'une pièce où l'on voit un ordre humain, mais alors sans fonction car les murs ont disparu.

​

"Le changement de disciplines m'a donné l'espace nécessaire pour rechercher quelque chose de différent en termes de contenu."

​

Disciplines multiples

Si vous regardez votre travail au cours des dix dernières années, vous remarquerez que vous avez commencé à travailler de plus en plus au noir. Van Veluw : « Cela vient en fait des dessins que j'ai commencé à faire. Ils sont en noir et blanc. Et en raison de ses limites, je voulais garder cela dans la phase suivante, à moins que la couleur n'ajoute quelque chose de substantiel, pas seulement parce que cela pourrait être plus agréable. D'ici là, je m'en tiendrai au noir et blanc. Et j'ai donc inclus le noir et blanc dans mon travail 3D. Le changement de disciplines m'a donné l'espace pour explorer autre chose en termes de contenu. J'ai commencé à me demander pourquoi nous voulons vivre dans des espaces avec des murs et pourquoi ils devraient être droits ? Pour moi, il ne s'agit pas de répondre à cette question, mais plutôt d'évoquer un certain sentiment et de le capturer dans une image. C'est comme se poser des questions sur l'univers, sur ce qu'il est et ce qu'il signifie. Je trouve excitant d'évoquer le sentiment mélancolique et de le capturer dans une image. Je cherche où une logique humaine se confronte à une autre logique de la nature. Un placard avec des archives tombe lentement et cela devient le chaos pour nous, mais la nature suit une formule fixe. Ce n'est pas du tout du chaos, mais de la physique pure sur laquelle vous pouvez exécuter un calcul. En tant qu'êtres humains, nous traitons le monde d'une manière différente de celle que la nature elle-même traite avec les choses. Je suis fasciné par les grilles et l'ordre, mais en même temps je veux questionner cet ordre. Pourquoi voulons-nous cela? Pourquoi voulons-nous vivre dans une maison ceinte, mais pas trop ordonnée ? Je ne veux pas répondre à ça. Un philosophe doit faire cela, mais je peux donner le sentiment à un philosophe d'en faire quelque chose. Parfois, ils me demandent aussi une image pour illustrer ce qu'ils écrivent.

"Mon travail est de l'art conceptuel raconté à travers des images."

Votre propre, battant la réalité

Pour son œuvre The Monolith, Van Veluw a réalisé un cube parfait situé au milieu de la pièce. Cette construction apparemment massive montre une sorte d'atelier du créateur, de l'inventeur, de l'artiste, du faiseur d'un nouvel univers. Là, il invente, collectionne, organise, arrange et crée une réalité alternative. Des formes géométriques et des clôtures sont créées ici qui rappellent les travaux antérieurs. Des thèmes substantiels, tels que le chaos, l'ordre, le désordre ou l'aliénation reviennent également ici. Depuis sa plus tendre enfance, l'artiste est fasciné par les choses théoriquement possibles, mais difficiles à imaginer. Il fantasme sur un environnement aux lois de la nature différentes, un monde avec une logique différente, une logique que Van Veluw crée lui-même. Une réalité que le spectateur de son travail doit vivre comme naturelle et logique. Et en créant un environnement dans lequel il a tout redéfini, le visiteur de son installation perd son emprise sur la réalité ordinaire. L'artiste utilise des formes vaguement reconnaissables et crée ainsi un environnement aliénant, auquel le visiteur peut autoriser ses propres associations. Van Veluw : « La meilleure chose à propos d'être un artiste, c'est que vous pouvez trouver votre propre logique, l'appliquer et la corriger. Vous inventez quelque chose qui n'existe pas. Mais le reste du monde aussi : on y invente aussi des lois et des règles dont on peut se demander si elles sont logiques et si elles sont correctes. Je crée une réalité alternative qui reflète la réalité ordinaire. En principe, c'est tout aussi vrai. Quand je fais un couloir claustrophobe, ils ressemblent aux interminables armoires de serveurs de Google, ces couloirs ont aussi quelque chose de claustrophobe. Je fais des associations avec cette image, pas trop littéralement, et je donne au spectateur la liberté de faire ses propres associations. Ensuite, vous demandez à quelqu'un de réfléchir.  

Art conceptuel visuel

À l'académie, l'accent est davantage mis sur le conceptuel que sur l'artisanat. Quelle est l'importance du visuel pour vous ? Van Veluw : « On ne voit pas seulement beaucoup le conceptuel dans les académies, mais aussi dans le monde des musées. Je suis très favorable à un art conceptuel visuel. Mon travail est un art conceptuel raconté à travers des images. Il y a un très bon compromis entre les belles images et le conceptuel. Tout dans une image doit être testé par rapport au concept, mais il est permis d'être là. Dans mon cas : si la couleur n'a de valeur ajoutée que pour le beau, alors tu n'as pas à l'ajouter.' Et quelle est l'importance du travail manuel pour vous ? "Je pense qu'il est important que vous voyiez que cela a été travaillé d'une seule main, car je pense qu'il est important que vous sentiez que quelque chose a une origine. Vous avez toujours l'impression que quelque chose est vraiment fait à la main et non par une machine et je veux transmettre ce sentiment. Si quelque chose est tout droit, alors il a des associations très différentes de celles que vous sentez que quelqu'un a beaucoup lutté pour obtenir quelque chose de cette façon. Ce quelque chose a eu un processus. Je pense que le processus est important. C'est comme raconter une histoire dans un cercle dans les oreilles de l'autre et à la fin du cercle, c'est devenu une histoire différente. Je veux aussi voir cette autre nouvelle histoire se refléter dans mon travail.

« Ce n'est pas pour rien que quatre-vingt-dix pour cent de ce que font les artistes, vous pouvez les accrocher au mur. Et ce n'est certainement pas parce que les artistes veulent vraiment faire quelque chose que vous aimez accrocher au mur.

En 2015, Van Veluw a travaillé pendant un an sur The Relativity of Matter, une installation dans laquelle vous marchez comme si vous traversiez une maison ou un musée. Les visiteurs se retrouvent dans un labyrinthe de couloirs, de portes et de couleurs, un paysage de rêve atmosphérique. Est-ce la forme la plus récente : Van Veluw : « Je préférerais juste faire ça. Malheureusement, aux Pays-Bas, il n'arrive pas qu'un musée entier soit transformé par un artiste qui y est laissé complètement libre. Je préférerais ne faire que des installations dans lesquelles les sculptures sont incorporées. Mais en tant qu'artiste, il faut toujours faire des concessions. Ce n'est pas pour rien que quatre-vingt-dix pour cent de ce que font les artistes, vous pouvez les accrocher au mur. Et ce n'est certainement pas parce que les artistes veulent vraiment faire quelque chose que vous aimez accrocher au mur. C'est pour vendre. La limitation ne signifie pas que le travail devient moins bon. Vous réalisez un travail qui fonctionne également bien sur le mur car il peut ensuite être bien exposé dans une foire commerciale ou une galerie. Mais je me rendrais un mauvais service en tant qu'artiste si je ne pouvais plus faire d'installations. Il y a toutes sortes de limites dans le monde de l'art, l'art de l'artiste est d'y chercher une sorte de liberté. Jusqu'à présent, cela a bien fonctionné. J'ai un équilibre entre l'aspect commercial et le fait que je peux faire une installation sans subvention. Ça fait du bien quand je n'ai de comptes à rendre à personne. Si cela ne se vend pas, je m'en fous.

reprendre

Levi van Veluw (1985, Hoevelaken) est un artiste multidisciplinaire. Il réalise des photos, des vidéos, des sculptures, des installations et des dessins. Il se fait connaître en 2008 avec son exposition personnelle Landscapes. Cette année-là, il a reçu le International Photo Award à New York pour la série photo Stylo et la sélection d'une de ses œuvres vidéo pour la Biennale de Whitstable au Royaume-Uni. En 2010, le travail de l'artiste a été présenté dans une série d'expositions muséales majeures, dont l'exposition "Dead or Alive" au Museum of Art and Design de New York, Marres Huis voor Tijd Cultuur Maastricht, Ars Electronica à Linz, Center for Contemporary Art, Torun, Pologne. En plus de son travail dans son cabinet individuel, Levi van Veluw a également travaillé sur des missions pour des particuliers. Il collabore ainsi, en 2012, avec le directeur du Zeitz MoCAA Marc Coetzee sur le film "Family" dans le cadre du projet Films4peace. En 2014, van Veluw a créé pour Hermès une installation in situ grandeur nature pour l'une de leurs vitrines principales à Shanghai.