Dans la série Passion for art de Koos de Wilt
"La grande chaîne de l'être"
Paul Schnabel, directeur du Bureau de planification sociale et culturelle

​Mes parents n'étaient pas très intéressés par l'art. Mon père était technicien et ma mère venait d'Inde et dans ce monde, le plein air et les sports étaient beaucoup plus importants. Enfant, j'étais déjà très intéressé par l'art. J'étais toujours un peu une exception à cela, allant aux musées et aux performances par moi-même [2003].

Je me souviens que je voulais écouter la Passion de Matthäus chez moi juste avant Pâques pendant le dîner, alors ça s'est terminé par une bagarre. Incidemment, je ne suis pas musicalement incliné ou artistiquement doué. Mes parents pensaient que cela n'avait aucune importance. Je suis en fait plus cognitif. Une fois que j'ai su lire, je n'ai jamais vraiment rien fait d'autre. En lisant, j'ai découvert qu'il y avait des mondes complètement différents de ce que je connaissais dans le Brabant où j'ai grandi. Quand je lisais dans le journal des articles sur le théâtre, la musique et les expositions dans la grande ville, je voulais aussi pouvoir en profiter. J'avais un oncle qui était artiste amateur. Il avait construit lui-même une épinette en 1958 et possédait des disques de la collection Archiv de Deutsche Grammophon ainsi que du virtuose du sitar Ravi Shankar. Personne n'avait quelque chose comme ça à l'époque, il n'y avait qu'un seul magasin à La Haye où l'on pouvait acheter ce genre de musique.

Caravagistes

Nous avons grandi avec un intérêt du XIXe siècle pour des peintres comme Rembrandt. Mais je doute que les gens aiment encore vraiment cet art. Je pense que ses premiers travaux sont drôles, mais pas vraiment beaux. Son œuvre ultérieure est trop sombre et impressionniste à mon goût ; trop lourd et trop sombre. Si je l'avais, je le mettrais tout de suite aux enchères. Les contrastes forts dans lesquels Rembrandt a travaillé m'attirent, mais je préfère les Caravaggisti d'Utrecht tels que Gerard van Honthorst et Hendrick ter Brugghen. Ils ont peint avec beaucoup de couleurs et avec un fort contraste dramatique.

Malheureusement, pour la plupart des gens, ces noms n'ont de sens que comme nom de rue, mais à leur époque, ils étaient des peintres de renommée internationale. Chez les Caravagistes, le fond est généralement sombre et on voit que les personnages ressortent en couleur. Nous reconnaissons cela dans notre langage visuel actuel, en partie grâce aux options d'éclairage qu'offrent les projecteurs. Ils n'étaient pas là il y a 400 ans, mais exactement cet effet a été obtenu d'une manière picturale. Notre sens du goût moderne nous pousse de plus en plus vers des lignes épurées et des couleurs uniformes dans des combinaisons surprenantes. Que  explique l'énorme popularité de Vermeer. Clair, léger et puissant à la fois.

J'ai beaucoup d'admiration pour les gens qui travaillent très traditionnellement

Personnellement, j'aime les peintures classiques claires de, par exemple, Caesar van Everdingen, un peintre complètement oublié qui, par exemple, a également peint l'Oranjezaal à Huis ten Bosch. Chez Van Everdingen, vous voyez beaucoup de mouvement dans des performances impressionnantes, mais le mouvement s'est solidifié, pour ainsi dire. Sa palette de couleurs est très cool et le design très épuré. Cela donne un dynamisme très curieux à ses peintures. Son travail n'est pas toujours monumental, parfois très intimiste. Au Rijksmuseum, il y a une peinture d'une jeune fille se chauffant les mains au-dessus d'un pot à feu, une représentation de l'hiver. Elle est peinte très retenue, mais précisément à cause du feu et de son attitude un peu frileuse, une merveilleuse tension s'est installée entre le chaud et le froid.

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Il y a plus de peintres de cette époque que je trouve beaux. C'est aussi une joie de regarder le travail d'habitants moins connus de Haarlem comme Jan de Braij, d'habitants d'Utrecht comme Abraham Bloemaert ou Jan van Bijlert, ou les canaux d'Amsterdam ou la place du Dam dans de belles nuances de lumière par Gerrit Berckheyde , ou à l'intérieur de l'église par Pieter Janszoon Saenredam. Leur travail est également très proche du goût moderne, mais la plupart des gens ne le connaissent pas.

Art de musée

J'ai beaucoup d'admiration pour les gens qui travaillent très traditionnellement. Je pense que ce que fait le peintre figuratif Henk Helmantel est exceptionnellement intelligent. Je pense aussi que le travail de Matthijs Röling est fantastique. Je me fiche que la presse officielle pense que ce n'est pas possible. Je pense juste que c'est très beau. Je trouve beaucoup d'art moderne officiel décoratif ou tout simplement laid et désagréable. Francis Bacon, par exemple, m'impressionne, mais je ne m'imagine pas vivre avec dans un intérieur. C'est trop, trop intrusif et trop dramatique. C'est aussi très beau, mais c'est du pur art de musée.

On a parfois l'impression de se retrouver dans une compétition entre un certain type d'artiste et un certain type de musée. La course est de savoir qui peut créer des œuvres encore plus grandes, obligeant les musées à trouver des bâtiments encore plus grands. Pour être honnête, j'en ai un peu marre d'une telle tôle dans un hall. Il y a une vingtaine d'années, j'ai vu un tas d'aiguilles de pin de Joseph Beuys ramassées à l'exposition « Westkunst » à Cologne. Je suis resté là et j'ai pensé : 'Je ne suis pas fou après tout ! Je ne vais pas regarder ce que je peux balayer ensemble dans mon propre jardin à la maison, n'est-ce pas ? Cet art ne me fait rien, sauf qu'il m'énerve.

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J'ai encore ça avec la Tate Modern : un bâtiment gigantesque qui me donne l'impression d'être dans un centre commercial. Tout le monde le traverse, personne ne reste immobile. Il y est plus intéressant de regarder les gens que les œuvres d'art. Ce que vous voyez là-bas, c'est de l'art pour une toute petite élite qui s'est trompée.

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Je n'ai pas grand-chose avec la peinture du XIXe siècle, soit dit en passant. C'est un peu la même chose. De plus, beaucoup sont devenus imprésentables, noircis, avec une apparence sombre et lourde, une richesse d'imagination limitée et des thèmes qui reviennent sans cesse. Le meilleur travail de Mesdag a un vrai charme, mais un bon peintre comme Isaac Israëls a aussi fait énormément de prêt-à-porter pour le marché.

Je trouve beaucoup de peinture abstraite très datée. Quand je me promène dans le Stedelijk ou le Haags Gemeentemuseum, j'ai souvent une sensation désagréable des années 50 et 60. Bien qu'une grande partie de l'art abstrait ait une valeur décorative bien exprimée par les grandes zones de couleur dans les grands bâtiments, ce n'est souvent pas beaucoup plus. Van Doesburg était une merde têtue et un artiste de second ordre avec une prétention incroyable. Mondrian a principalement prêché des absurdités ésotériques sur papier, mais il reste puissant dans son travail. Alors vous ne pouvez pas dire Van Doesburg, je pense.

fraises des bois

Pour moi, l'esthétique et l'histoire de l'art sont intimement liées. Si vous connaissez l'histoire, vous pouvez également mieux voir l'esthétique, que vous ressentez davantage. Ensuite, vous voyez plus que des chiffres et des images. En regardant dans le temps, par exemple, on ne voit souvent plus l'innovation. Ce n'est que lorsque vous en savez plus à ce sujet et que vous regardez en arrière que vous voyez à quel point les gens ont été intelligents pour trouver une solution à un problème de cette époque. On l'oublie souvent.

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D'ailleurs, mon tableau préféré ne parle pas d'une telle histoire. Il s'agit d'un petit tableau du Mauritshuis, une nature morte d'Adriaan Coorte, peintre de Middelburg de la fin du XVIIe siècle, à laquelle le Centraal Museum a consacré une petite exposition en 2003. La seule chose que vous voyez dans cette œuvre est un plateau en pierre avec des fraises des bois. Ces fruits très tendres. Cela me donne vraiment les larmes aux yeux, c'est tellement beau et touchant. Dans ce travail, vous ressentez le soin, l'amour, le savoir-faire et l'appréciation des choses insignifiantes. Apparemment, cela était considéré comme émouvant au XVIIe siècle, sinon la toile n'aurait pas été aussi soigneusement conservée et peut-être même pas faite. Ce petit travail a été transmis de génération en génération.

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Dans l'histoire de l'art, il est parfois suggéré que nous regardons très différemment aujourd'hui qu'à d'autres époques. Si vous ne savez plus ce que sont les dieux et ce que dit la Bible, alors c'est en partie vrai. Mais il y a aussi des éléments que nos lointains ancêtres ont vécus comme nous le faisons maintenant. Lorsque Jan Steen peint un groupe de pique-nique devant une auberge à l'extérieur de la ville au début du printemps, vous voyez une continuité. Les gens sortent encore en voiture et aiment simplement être dehors. La fierté qui émane parfois des peintures de paysages est également compréhensible. Le Sint Bavo de Haarlem a été peint des centaines de fois.

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Il ne s'agit pas seulement de trouver quelque chose de beau qu'il faut apprendre à trouver beau, mais aussi d'aimer quelque chose d'authentique que tout le monde peut vivre et reconnaître comme beau. Vous avez alors le sentiment d'être dans une grande chaîne d'êtres. C'est une continuité d'expérience où vous participez au même sentiment que les gens ont eu pendant des centaines d'années. Bien sûr, nous avons vu et appris différentes choses, mais nos sentiments et nos émotions n'ont pas changé. Nos yeux n'ont pas changé non plus, nous avons juste pu voir des choses différentes, mais l'appréciation de quelque chose de beau n'a pas changé. Cette reconnaissance donne un sentiment agréable. La vie d'il y a quelques siècles ressemble beaucoup à la nôtre et cela donne un sentiment d'enracinement, de terrain d'entente et même d'une forme de solidarité.

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