L'artiste amstellodamois Sandra Kruisbrink a son atelier dans le centre-ville animé, mais dans ses dessins, le silence et la tranquillité de paysages souvent paisibles d'aspect nordique prévalent. Lui rendre visite dans son atelier.

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Texte et photos de Koos de Wilt pour COLLECT

Elle a son grand studio lumineux au troisième étage de la ceinture des canaux d'Amsterdam, dans un grand bâtiment qu'elle partage avec d'autres artistes et designers. Dans l'atelier règne un calme qui sied à ses dessins et qui est soutenu par une musique tranquille au piano du compositeur catalan Frederic Mompou. Une bibliothèque pleine de livres d'art, un ordinateur sur lequel l'artiste peut éditer des images et une grande table de travail. Des lunettes avec de nombreux crayons noirs, des livres de photos et d'art ouverts et des tirages édités principalement d'arbres. Sur une autre table une grande quantité de pastels, pinceaux et détrempe. Pour l'artiste, les ingrédients des dessins grands et petits qui sont éparpillés sur les murs et gisant sur le sol. Des paysages légers, fins, transparents dans lesquels l'artiste joue avec la spatialité, la perspective et la désolation.  

​ "Je pense que j'essaie de capturer cette perception différente du temps dans mon travail."

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Sandra Kruisbrink (1961) aime la ville, mais aussi les lieux déserts. Elle aime marcher pendant de longues périodes à travers des paysages inhospitaliers quelque part dans le monde, mais aime aussi jardiner sur sa terrasse sur le toit à Watergraafsmeer à Amsterdam. Dans la marche et le jardinage, la nature finit par prendre le dessus, constate l'artiste. « Parfois, quand je jardine, j'ai envie de pousser la nature dans une certaine direction, mais je suis quand même amené à faire autre chose. Cela fonctionne de la même manière avec mes dessins. Les plantes comme le dessin semblent avoir leur propre volonté et m'emmener dans leur monde.' Pour l'artiste, la nature a toujours fait partie de ce qu'elle crée. Mais elle n'est certainement plus seule lorsqu'elle intègre la nature dans son travail. Kruisbrink : « Dans les bâtiments, de plus en plus de nature est incorporée et on le voit de plus en plus dans le travail des artistes visuels, comme dans le travail d'Elspeth Diederix. Mais avec elle ce n'est pas une question de mode, c'est très proche d'elle. Je suis citadin depuis longtemps, mais j'ai grandi à Laren et j'ai erré sans fin dans les bois de la région quand j'étais enfant. Avec mes dessins je retourne là où j'ai passé de nombreuses heures avec ma copine. C'était une époque qui semblait durer une éternité. Je pense que j'essaie de capturer cette expérience différente du temps dans mon travail. Je pense que les enfants sont plus proches de leur temps intérieur, un temps qui ne peut pas être exprimé en unités comme les heures ou les minutes, mais qui s'étire. Le philosophe français Henri Bergson a appelé cette durée, le temps qui dure. C'est une expérience du temps dans laquelle le passé et le présent se confondent. Une expérience du temps qui relève plus de l'intuition que du rationnel. Je veux montrer cet abandon de l'horloge et de l'agenda dans mes dessins, afin que vous puissiez réfléchir dans un état de repos.  

des arbres

L'artiste a fait du thé et se place devant un grand dessin d'arbres, un jeu graphique de lignes de branches dénudées que l'on voit à travers et dans lesquelles on distingue différentes strates. « Mes premiers dessins étaient pour la plupart des paysages vus d'un oiseau. Maintenant, l'oiseau semble s'être perché dans un arbre. Je cherche plus de détails dans le paysage. Je suis aussi devenu plus précis. Mon travail est figuratif, mais pas nécessairement réaliste. Je veux que mes arbres dégagent quelque chose d'apesanteur, quelque chose de fugace, mais en même temps les arbres ont quelque chose de permanent. Ils étaient souvent là bien avant que nous n'arrivions là-bas et même sans nous, ils restent tranquillement dans le paysage ou dans le jardin, à moins que nous, les humains, ne décidions de les enlever. Kruisbrink dessine de nombreux arbres, des pins et autres conifères, un mélèze et un bouleau pleureur, mais l'artiste n'est pas forcément concernée par les arbres qu'elle représente. "L'arbre est plus une excuse", explique-t-elle. « Je suis plus concerné par le silence, par une essence silencieuse, par une expérience inexprimable. Certains dessins ne montrent qu'une suggestion minimale d'un arbre ou d'une montagne, une sorte d'image rémanente. Je considère cette omission comme l'essence de mon travail.  

'Je veux que mes arbres dégagent quelque chose d'apesanteur, quelque chose de fugace, mais en même temps les arbres ont quelque chose de permanent'

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Sandra Kruisbrink dessine lentement, intuitivement, concentrée et précise. Elle aime le silence et elle met beaucoup de temps à dessiner. "Lorsque je dessine, je pose toujours de nouveaux calques les uns sur les autres. Quand je découpe, je me force davantage dans une affirmation que je ne peux pas renverser aussi facilement que lorsque je dessine. J'utilise de la peinture à la détrempe et je dessine dessus au crayon. Tempera a une sorte de transparence. Vous continuez à voir les couleurs en dessous et obtenez donc une sorte de profondeur. Je prends souvent un tirage comme point de départ, une forme négative d'une photo. Sans m'appeler photographe, la photographie s'est glissée de plus en plus dans mon travail. J'y transfère ensuite plusieurs couches également. En utilisant le négatif d'une photo comme arrière-plan, le dessin ressemble à une solarisation, l'effet qui se produit lorsque la lumière pénètre dans la chambre noire lors du développement d'une photo. La bonne chose est que vous ne comprenez pas vraiment ce que vous voyez. Au début, vous voyez un fouillis de lignes blanches, mais si vous regardez plus longtemps, l'image se dresse devant vos yeux. C'est comme une photo qui apparaît lentement dans un bain de révélateur, ou un Polaroid sur lequel on ne voit rien au début et puis ça devient de plus en plus clair.  

histoire de l'art

Le travail de Sandra Kruisbrink évoque des associations avec des maîtres anciens que l'artiste a rencontrés dans les musées au cours de sa vie. Paysages du peintre et graveur hollandais du XVIIe siècle Hercules Seghers et Pieter Bruegel et estampes spatiales de Piranesi. Kruisbrink : « J'aurais aimé avoir plus d'histoire de l'art au Rietveld. Dans d'autres pays européens, comme l'Allemagne et l'Espagne, cela fait bien plus partie de l'éducation. Pas ici et je le regrette. J'ai étudié à Barcelone pendant deux ans et il y avait un très bon département de graphisme où j'ai beaucoup appris sur l'histoire de l'art. C'est ainsi que j'ai commencé à me plonger dans l'œuvre d'Hercule Seghers. Un de mes professeurs d'espagnol a écrit une thèse sur lui. Elle a également fait des recherches au Rijksmuseum et d'elle j'ai beaucoup appris sur son travail et sa technique. La façon de travailler de Seghers était très moderne à son époque. Je me sens lié à lui.  

"En fait, je refait la marche sur la feuille de papier, mais cette fois avec la distance nécessaire."

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L'artiste ne puise pas l'essentiel de son inspiration dans les musées. "J'aime vraiment voir le travail d'anciens et de nouveaux artistes", déclare Kruisbrink. "Mais j'apprends le plus quand je voyage et que je me promène dans des paysages déserts avec mon appareil photo. Après chaque voyage, je reviens à la maison avec une grande collection de photos. Mais les photos ne capturent jamais l'atmosphère et l'expérience que j'ai trouvées sur place. Dans mon studio, je regarde les images, je fais un choix, puis je fais des découpes. Dans mon atelier je marche plus loin dans ma mémoire et les expériences que j'ai acquises dans les paysages. La sélection et l'édition des photos est une partie essentielle de mon travail. En fait, je refait la marche sur la feuille de papier, mais cette fois avec la distance nécessaire. Dessiner, c'est promener un trait, comme l'a si bien dit Paul Klee. Lorsque je me promène dans la nature, je reconnais souvent les paysages typiques d'autres artistes, non seulement de maîtres anciens comme Hercule Seghers ou Bruegel, mais aussi les paysages sombres d'Awoiska van der Molen ou Reni Spoelstra. Mes paysages sont beaucoup plus clairs, ce sont aussi des paysages qu'on ne voit presque plus. Ils ont aussi généralement l'air très septentrionaux. J'adore venir là-bas. Je me sens connecté aux paysages vides et silencieux de la Norvège. Il y a quelques années, j'avais un artiste en résidence dans un petit village isolé. Je vois maintenant les montagnes avec des glaciers devant moi dans une lumière bleutée, bleu glacier, dans laquelle le paysage disparaît. Je suis maintenant très curieuse des paysages d'Islande. J'ai envie d'y rester un moment et d'être seul, d'affronter ces paysages déserts et de les ramener ici dans mon atelier ici en ville.'  

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