Urban Larsson, portraitiste

"Chaque coup de pinceau est un choix émotionnel de ma part"

Texte et image de Koos de Wilt pour Collect

Le peintre suédois Urban Larsson (1966), basé à Amsterdam, a son lieu de travail dans le paisible et historique Prinseneiland, dans l'atelier où travaillait son prédécesseur George H. Breitner il y a cent ans. Les aurores boréales, idéales pour les peintres, arrivent de telle manière que tout ce que vous voyez semble pittoresque. Une douce musique classique se fait entendre en arrière-plan et des dizaines de portraits et de paysages toscans sont accrochés aux murs. Dispersés dans la pièce se trouvent divers chevalets, des armoires et des chaises anciennes, un récipient plein de pinceaux et une table avec des pigments et des huiles pour faire votre propre peinture. C'est un espace non seulement pour travailler agréablement, mais aussi pour se détendre et être peint en même temps. "Je remarque que les gens redoutent souvent d'être représentés, mais mon expérience est que 99 % des personnes que j'ai peintes ont adoré", déclare le peintre. « Derrière moi, il y a toujours un chevalet avec un miroir pour que les gens puissent suivre le processus petit à petit. Une fois, j'ai été autorisé à peindre Wim Kok pour le ministère des Affaires générales. Je me souviens quand il m'a appelé pour me demander s'il pouvait lire le journal en peignant. Je lui ai alors dit que ce n'était pas l'intention d'avoir le portrait d'un premier ministre lisant un journal. Je me souviens que nous avons eu de très belles sessions et de belles conversations.

Le peintre suédois, qui vit à Amsterdam, a son lieu de travail dans le paisible et historique Prinseneiland, dans l'atelier où travaillait son prédécesseur George H. Breitner il y a cent ans.

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Malgré l'essor de la photographie il y a environ 150 ans, on continue de peindre des portraits d'administrateurs de ministères, d'universités et d'autres organisations. Urban Larsson a réalisé des portraits de la reine Silvia de Suède, de Máxima et Willem-Alexander, d'associés de cabinets d'avocats prestigieux et de Jan Six XI, par exemple. Qu'y a-t-il de différent que si une photo est prise ? Urban : « Une peinture peinte d'après nature, et non d'après une photo, est bien plus l'interprétation d'un artiste de qui est quelqu'un, plus qu'une photo ne pourra jamais l'être. La grande majorité des portraitistes travaillent à partir d'une photo, moi non. Chaque coup de pinceau est un choix rationnel et émotionnel de ma part. Mes portraits ne se rapprochent pas seulement de moi-même, mais aussi de la personne représentée. Par conséquent, les portraits peints sont toujours d'actualité. Je pense qu'une profondeur émerge qui est plus intemporelle. Ce n'est pas un dixième de second regard, comme une photo, mais une interprétation que l'on fait en quelques séances de quelques heures. Je m'intéresse à la réalité, à un spectre plus large de ce qu'est un être humain. C'est précisément dans les dernières décennies que vous voyez que les gens aimeraient revoir cela.

"Mes portraits ne sont pas un dixième de regard, comme une photographie, mais une interprétation que l'on fait en quelques séances de quelques heures."

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John Singer Sargent

Combien de temps faut-il pour faire un portrait ? « Cela dépend de la taille du tableau. Mais je suppose cinq à huit séances d'environ deux heures et demie à trois heures. Pour les grands portraits, des remplaçants peuvent remplacer le portrait. C'est pour peindre les vêtements. Faire un portrait prend du temps. L'un de mes préférés est l'Américain John Singer Sargent qui a vécu au tournant du siècle. Ses peintures ont une touche lâche et donnent l'impression qu'elles ont été peintes rapidement. Mais chez lui aussi, il s'agissait parfois de quatorze séances pour donner l'impression qu'elles avaient été posées sur la toile d'un seul mouvement rapide. Il l'a fait lors d'un procès, lors d'un premier coup d'État, comme c'était la coutume au XIXe siècle. Frans Hals a également peint de cette manière dès le XVIIe siècle. On dirait qu'il a barbouillé ses sujets sur la toile d'un seul coup, mais cela aussi a dû avoir le temps. Et que dire de Rembrandt, n'a-t-il pas peint plus vite, par exemple le portrait pâteux et non signé de son ami Jan Six I, qui s'apprête à enfiler ses gants ? Larsson : « Nous savons peu de choses sur la façon dont cette peinture a dû se produire. Ernst van de Wetering, le célèbre expert de Rembrandt, a dit un jour que le portrait aurait été peint en une journée. Je n'y crois pas, alors vous n'avez aucune idée du processus de peinture. Même Rembrandt a dû mettre plusieurs jours pour le faire. J'en suis convaincu. Antoon van Dyck a dû aussi mettre beaucoup de temps à écrire les peintures qui semblent avoir une touche rapide.  

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"Je m'intéresse à la réalité, à un spectre plus large de ce qu'est une personne."
 

En quoi l'œuvre de Larsson est-elle différente de celle de ses prédécesseurs du XVIIe ou du XIXe siècle ? « Je me sens comme un peintre contemporain. Je n'essaie pas d'imiter un style ancien, mais j'utilise une grammaire visuelle construite au cours des cinq cents dernières années de peinture. A la fin du XIXe siècle, la peinture sous sa forme académique vire à l'impasse. Ensuite, vous avez de nouveaux styles comme celui de l'impressionnisme. La peinture hollandaise du XVIIe siècle était à bien des égards beaucoup plus « moderne ». Sargent a eu un pied dans l'histoire de l'art avec des peintres tels que Titien et Van Dyck au début du XXe siècle et un autre à l'époque de l'impressionnisme. Cette combinaison rend son travail spécial car il maîtrise les deux avec brio. Pour mon propre travail, je ne me préoccupe pas de savoir dans quel style je peins. Je travaille sur ce que je crois en moi.

Diego Vélasquez

Michel-Ange a dû dire un jour qu'un portrait n'a pas à ressembler, qu'il est beaucoup plus important de savoir comment on veut qu'on se souvienne de lui à l'avenir. Comment Larsson voit-il cela ? « Je cite souvent le peintre James Whistler. Il a dit un jour : Parfois, il faut beaucoup de temps pour qu'une personne ressemble à son portrait. Ce qui compte, c'est que vous dépeigniez quelqu'un d'une manière forte et honnête qui sera également intéressante à regarder dans 150 ans, donc même si personne ne connaît encore la personne en question. Le portrait de Juan de Pareja que Diego Velázquez a peint en 1650 a cela. Personne ne connaissait Velázquez lorsqu'il était à Rome pour incarner le pape. Pour se mettre en forme, il peint son assistant. Chaque année, il y avait une exposition au Panthéon où Velázquez a montré cette peinture. L'histoire raconte que les peintres romains devant l'œuvre ne pouvaient pas croire ce qu'ils voyaient. Cela n'a pas changé au cours des siècles qui ont suivi. C'est le premier tableau à se vendre plus d'un million de dollars. Le Metropolitan Museum of Art le considérait comme l'une des acquisitions les plus importantes de l'histoire du musée à l'époque. Toujours spécial, le portrait d'un homme qui était encore esclave lorsqu'il a été immortalisé. Quelques mois après avoir peint, Velázquez fit de son assistant né esclave un homme libre et le portrait nous parle encore aujourd'hui.

"Une peinture peinte d'après nature, et non à partir d'une photographie, est bien plus une interprétation de l'artiste de qui est quelqu'un, plus qu'une photographie ne pourra jamais l'être."

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Juan de Pareja est très beau. À quel point Urban Larsson est-il indulgent envers ses clients ? « Les peintres hollandais et flamands du XVIIe siècle étaient plus naturalistes, plus honnêtes que leurs confrères italiens, plus idéalistes. J'essaie de représenter les gens de manière honnête. J'aspire à une image de la personne entière. Parfois, les gens se voient comme un être humain qu'ils aimeraient être. Prendre un personnage est un processus inconscient. Cela vient pendant le processus. Cela peut apparaître lors de la première session, mais parfois vous devez tuer vos chéris et continuer à le rendre encore meilleur. Je le compare à marcher sur une corde raide où il faut toujours trouver son équilibre. Équilibre entre différentes couleurs, entre sombre et clair, entre froid et chaud, entre proportions et tout cela par rapport à l'ensemble. Peindre un œil n'est pas difficile, mais un œil par rapport à l'ensemble est le défi. Par contre, il faut entrer dans une sorte de flow en travaillant et oser tout lâcher. C'est fascinant à chaque fois que vous voyez que le portrait prend soudainement vie. C'est un défi à chaque fois et après trente ans, ce n'est pas devenu une routine.

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[2020]

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